What's the rumpus?

J. Edgar: La creación del FBI

2012-02-08T23:53:00.001+01:00

En la década de 1920, un ambicioso joven llamado John Edgar Hoover sacude las bases del sistema judicial de Estados Unidos gracias a las nuevas técnicas que aplica a la investigación criminalista. Sus esfuerzos conducirán a la fundación del FBI, que en las próximas décadas se enfrentará a las sucesivas olas de crimen que recorrerán el país mientras que Hoover incrementará su poder hasta el punto de que su figura intimidará a varios presidentes.

Nueva película de Clint Eastwood como director, productor y compositor, dedicada en esta ocasión a la vida de J. Edgar Hoover, una de las figuras claves de la historia de EEUU en el siglo XX famoso tanto por su papel como fundador del FBI como por las polémicas y leyendas que envuelven su persona. Basándose en el guión escrito por Dustin Lance Black (ganador del Oscar por su trabajo en la recomendable Milk), Eastwood opta por un enfoque bastante imparcial de Hoover puesto que la película no se decanta por ensalzarlo como héroe ni por condenarlo por sus aspectos más controvertidos. En su lugar, ofrece a los espectadores un retrato completo del personaje que combina su juventud y lucha contra el crimen organizado al frente de un primerizo FBI con sus últimos años y su reacción frente a la actualidad política de 1960 en adelante.

Con sus cerca de dos horas y veinte minutos de duración, la película puede resultar un poco densa, especialmente para el público que no esté demasiado familiarizado con la historia de EEUU del pasado siglo, ya que J. Edgar nos presenta las reacciones de un personaje particular a diferentes sucesos que comprenden desde la detención del atracador de bancos John Dillinger hasta los asesinatos de JFK y Martin Luther King. Sin embargo, queda demostrada la maestría de Eastwood como director a la hora de permitir que la trama y los diálogos de la película fluyan con ritmo, con saltos entre el presente y el pasado, y secuencias dinámicas (merecen especial atención las dedicadas a mostrar los métodos del FBI en sus investigaciones durante la década de 1930); todo ello para ofrecer a los espectadores un acercamiento completo a la figura de Hoover y sus complicadas relaciones con Helen Gandy, su secretaria, y con Clyde Tolson, su mano derecha.

Además, hay que destacar la ambientación y la recreación histórica, que permiten a la película desplazarnos hasta las épocas que retrata como ya sucedía con El Intercambio, y por supuesto la fotografía de Tom Stern, colaborador habitual de Eastwood. El reparto resulta bastante convincente, y entre sus miembros destacan las correctas actuaciones de Dermot Mulroney (Zodiac), Judi Dench (M en la saga Bond), Naomi Watts (King Kong) y Armie Hammer, uno de los descubrimientos de La Red Social. El papel principal cae en las manos de Leonardo DiCaprio, quien brinda una interpretación magistral al meterse en la piel de J. Edgar a lo largo de distintas etapas de su vida, cambiando su aspecto físico para reflejar los pliegues y contradicciones que componen la compleja personalidad de una figura tan controvertida como la que da título a la película (una lástima que los miembros de la Academia no lo tuvieran en cuenta).

A pesar de lo densa que pueda resultar por el contexto en que se enmarca, J. Edgar consigue acercar a los espectadores a una figura de tanta relevancia como es la del creador del FBI, además de que cuenta con una cuidada ambientación y el talento combinado de un intérprete que mejora con cada nuevo trabajo (DiCaprio) y de un director que hace tiempo demostró su habilidad para narrar cualquier tipo de historia resaltando el lado humano de los personajes.

*Para terminar, después de J. Edgar se rumoreaba que Eastwood tenía intención de dirigir una nueva versión de Ha nacido una estrella con Beyoncé de protagonista. Tras el poco interés que ha mostrado la cantante, los planes de Eastwood apuntan en otra dirección: según lo previsto, podría volver a la interpretación en Trouble with the Curve, el debut tras la cáma de su ayudante de dirección, Robert Lorenz. Estaremos atentos a más novedades.

Hermanos de Sangre

2012-01-31T19:20:00.008+01:00

Estrenada en 2001, la miniserie de diez episodios Hermanos de Sangre (Band of Brothers) fue, junto a Los Soprano, una de las producciones pioneras del canal HBO que contribuyó al desarrollo de la ficción televisiva de calidad y acabado cinematográfico.

Basada en la novela homónima del historiador Stephen Ambrose, Hermanos de Sangre nos cuenta lo sucedido con la compañía Easy, grupo de paracaidistas del ejército estadounidense en la Segunda Guerra Mundial a los que seguiremos desde su entrenamiento al pie de la montaña Currahee hasta su desembarco en la Europa ocupada. Según avanza la trama iremos conociendo más a los personajes bajo el mando de Richard Winters, sus motivaciones, miedos, y dudas; a lo que ayuda el hecho de que cada capítulo nos cuente una campaña desde la perspectiva de un personaje concreto.

Tras las cámaras se encuentran los productores Tony To y Gary Goetzman, el guionista Bruce C. McKenna, y Tom Hanks y Steven Spielberg como productores ejecutivos (el primero incluso escribe y dirige un episodio), quienes decidieron aplicar a la serie el estilo, la ambientación y la estética hiperrealistas de su película Salvar al soldado Ryan. Así, Hermanos de Sangre nos ofrece un retrato profundo y oscuro de los horrores que vivieron los integrantes de la compañía Easy, de cómo se vieron forzados a adentrarse en terrenos desconocidos para enfrentarse a un enemigo del que no sabían demasiado, y de los lazos de inquebrantable amistad que se forjaron entre los miembros de la compañía. Además, la serie muestra un retrato retorcido de la psicología de los personajes, desmitificando los estereotipos de héroes bélicos con imágenes de extrema crudeza y una aproximación a los enemigos que huye de tópicos.

Todos los miembros del multitudinario reparto resultan más que creíbles, entregados por completo a sus respectivos roles. Destaca la presencia de Damian Lewis (de vuelta en televisión con la premiada Homeland), Donnie Wahlberg (hermano mayor de Mark), Neal McDonough (Minority Report), y Kirk Acevedo (Fringe), por citar a unos pocos; y también sorprenden las apariciones en papeles secundarios de actores hoy consagrados como Michael Fassbender, James McAvoy, Tom Hardy, Stephen Graham, Simon Pegg, y Colin Hanks.

En 2010, los responsables de Hermanos de Sangre estrenaron The Pacific, que recoge el testigo y estilo de su predecesora centrándose en lo sucedido en el teatro de operaciones del océano Pacífico, con un desarrollo igual de sorprendente que la serie hoy comentada.

Por méritos propios, entre los que figuran la crudeza de sus imágenes, la ambientación, la puesta en escena, y el trasfondo psicológico de sus personajes, no resulta complicado comprender por qué Hermanos de Sangre es ampliamente considerada una de las producciones más brillantes del canal HBO.

What's the rumpus?: Cuarto Aniversario

2012-01-26T09:35:00.002+01:00

Casi resulta difícil de creer, pero hoy se cumplen cuatro años desde que este blog iniciara su travesía por la red, tiempo en el que ha crecido poco a poco, con mayor variedad de temas tratados en las sucesivas entradas. Con motivo de esta ocasión tan especial, me gustaría expresar mi más sincero agradecimiento a los lectores, seguidores y comentaristas que me acompañan en este proyecto tan personal y arriesgado.

Un momento, Doc, ¿qué nos ocurre en el futuro?

Como sabéis, este blog siempre está abierto a recomendaciones y aportaciones, así que no dudéis en transmitirme cualquier sugerencia acerca de qué os gustaría leer en esta bitácora, qué se podría mejorar o qué nuevas secciones o especiales os resultarían interesantes. De momento, esperemos que las andanazas de este blog se prolonguen durante más tiempo todavía y que vosotros me acompañéis en este viaje.

¡Feliz Cumpleaños WTR?!

Sherlock Holmes 2: Juego de Sombras

2012-01-21T09:42:00.003+01:00

El detective Sherlock Holmes se enfrenta a la mente criminal más peligrosa que jamás haya conocido: el profesor James Moriarty, contra quien medirá su ingenio y astucia en una arriesgada partida de ajedrez en la que el tiempo corre en su contra. Superado por las circunstancias, Holmes se reunirá con su viejo amigo, el doctor John Watson, y juntos emprenderán un viaje repleto de acertijos e intentarán evitar el colapso del mundo occidental que trama el retorcido Moriarty.

Los primeros avances de la nueva versión del personaje literario creado por Sir Arthur Conan Doyle que preparaba el director Guy Ritchie con Robert Downey Jr. de protagonista no parecían muy prometedores, pero con el estreno de Sherlock Holmes hace dos años expresé mi entusiasmo en este blog al encontrarme con una película muy entretenida que mezclaba los requisitos de una superproducción con homenajes y referencias al carácter del mítico detective británico. Tras las buenas impresiones, esperaba con ganas la segunda entrega, a la que me temo que no puedo aplicar los elogios dirigidos a su predecesora.

Sherlock Holmes: Juego de Sombras continúa justo donde terminó la primera parte, recupera al acertado reparto, con la estupenda química entre Robert Downey Jr. y Jude Law siempre presente en pantalla; y nos sumerge en un nuevo desafío para los personajes como es la entrada en escena del profesor Moriarty, némesis del detective de Baker Street. Sin embargo, me da la sensación de que en esta segunda parte han apostado más por el espectáculo pirotécnico que por el respeto a un personaje icónico. Así, se pierde el equilibrio de la primera película y los espectadores nos encontraremos a Sherlock Holmes convertido en el héroe de acción de finales del siglo XIX, una especie de mezcla entre John McClane (por los golpes que recibe) y Jack Sparrow (por sus excentricidades) que se aleja demasiado de la esencia del detective frío y extremadamente racional que conocimos en las novelas y los relatos de Conan Doyle.

Cierto, la película entretiene a pesar de su comienzo difuso, pero ya no es Holmes, como prueban las demenciales secuencias de acción en las que se ve inmerso el protagonista, más exageradas que las de la primera parte, o la sucesión de gags cómicos cada vez más disparatados (véase el caso de Mycroft). Aun así, merece la pena destacar el toque de Guy Ritchie, fanático del montaje acelerado; el dúo formado por Downey Jr. y Law (aunque estén un tanto alejados del carácter de los personajes originales, su relación parece creíble en pantalla), la incorporación al reparto de Noomi Rapace y Jared Harris (no tanto las participaciones de Rachel McAdams y Stephen Fry, con personajes muy poco aprovechados), el homenaje de la escena final, y la banda sonora de Hans Zimmer, que recupera las composiciones de la primera parte con tonos que recuerdan a Origen y hasta una "broma" relacionada con Dos mulas y una mujer.

Aunque se deja ver, el exceso de acción y la carga cómica alejan a Sherlock Holmes: Juego de Sombras de la divertida y equilibrada primera parte, pero sobre todo de la esencia de un personaje tan característico como es el sabueso de Baker Street. A la espera de una más que probable tercera entrega, me quedo con la versión actualizada del personaje que nos ofrece la serie de la BBC protagonizada por Benedict Cumberbatch y Martin Freeman, cuya segunda temporada pronto comentaremos.

Reparto de los Globos de Oro

2012-01-16T23:52:00.000+01:00

La pasada madrugada tuvo lugar la ceremonia de entrega de los premios de la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood, más conocidos como los Globos de Oro, que reconocen a los intérpretes, producciones, directores y guionistas más destacados del cine y de la televisión y que muchos consideran la antesala de los Oscar.

Spielberg y Freeman celebran sus galardones.

Como comentamos, entre los nominados figuraban muchas de las propuestas más interesantes que nos ha ofrecido el cine de 2011, si bien se echaban en falta ciertos nombres. En esta entrega de premios se ha impuesto la variedad y no ha habido un claro vencedor: The Artist se lleva los trofeos de Mejor Actor de Comedia o Musical (Jean Dujardin), Mejor Banda Sonora y Mejor Película - Comedia o Musical, seguida muy de cerca por The Descendants, que se hace con los galardones a la Mejor Película Dramática y al Mejor Actor Dramático (George Clooney). Los demás premios han sido repartidos entre grandes actrices como Meryl Streep y Michelle Williams, y actores como Chritopher Plummer, pero personalmente me gustaría destacar el reconocimiento del que han disfrutado tres auténticos maestros, cada uno en su campo: Steven Spielberg, quien se hace con el galardón a la Mejor Película de Animación por la impresionante Las Aventuras de Tintín; Martin Scorsese, reconocido como Mejor Director por Hugo; y por supuesto Morgan Freeman, que recibió el premio Cecil B. DeMille por toda su carrera de las manos de Sidney Poitier.

El reparto al completo de Modern Family y su creador.

En el campo televisivo también ha sorprendido el reparto de los galardones y que triunfara Homeland, una de las sorpresas de la temporada, como Mejor Serie Dramática frente a las producciones de HBO Boardwalk Empire y Juego de Tronos. Por otra parte, sí se cumplieron las profecías cuando el actor Peter Dinklage fue premiado por su trabajo en la mencionada serie fantástica y cuando Modern Family recibió el galardón que la confirma como la comedia televisiva del momento. El listado completo de los premiados, en este enlace.

Se aproximan los Oscar así que, ante los resultados de los Globos de Oro, ¿cuáles son vuestras predicciones?

Luck: Episodio piloto

2012-01-09T18:42:00.001+01:00

Después de cumplir condena en prisión durante tres años, el mafioso Chester Bernstein está dispuesto a tomar el control de lo que le pertenece: el hipódromo de Santa Anita Park. No será una tarea fácil, puesto que las cosas han cambiado en su ausencia y han entrado en escena nuevos y ambiciosos corredores de apuestas, además de que una vieja gloria de las carreras, Walter Smith, busca su oportunidad para volver como entrenador.

Con la conclusión de la segunda temporada de Boardwalk Empire, el canal HBO estrenó en primicia el episodio piloto de Luck, serie creada por David Milch (Deadwood) y producida por el cineasta Michael Mann (Enemigos Públicos), quien se ha encargado también de dirigir el primer capítulo. Como buen episodio inicial, sirve de carta de presentación de la serie, de marcado carácter coral, y presenta a los espectadores un grupo muy variado de personajes que incluye a ambiciosos corredores de apuestas, criadores de caballos rivales, jockeys inseguros de sí mismos y a un mafioso recién salido de prisión, todos ellos vinculados a un hipódromo de California.

Con un ritmo pausado, el episodio piloto de Luck nos acerca al mundo de las carreras de caballos, que presenta cierta dificultad a la hora de familiarizarse con el sistema de apuestas y la jerga que utilizan los corredores. El sello de Michael Mann puede apreciarse en las secuencias dinámicas rodadas con steady cam y cámara en mano, además de en la "fría" y adecuada banda sonora que acompaña a las escenas de las carreras. El reparto también merece una mención especial al estar formado por actores reconocidos por sus trabajos en el cine como Dennis Farina (Snatch: cerdos y diamantes), Kevin Dunn (Transformers), Nick Nolte (El Cabo del Miedo) y el gran Dustin Hoffman (Tootsie).

Habrá que esperar hasta su estreno el próximo día 29 para disfrutar de la temporada completa de Luck, cuyo espisodio piloto ha supuesto un buen arranque para una serie prometedora en la que se nota el sello de calidad de las producciones del canal HBO.

Drive: No hay salida fácil

2012-01-04T09:00:00.001+01:00

Especialista de cine de día, experto en atracos y fugas por la noche, el Conductor lleva una vida monótona y vacía en las oscuras calles de Los Ángeles, cumpliendo los encargos que recibe de su jefe, Shannon. Cuando conoce a Irene, parece que el Conductor ha encontrado una segunda oportunidad de redimirse, pero la entrada en escena de un personaje inesperado desencadenará una espiral de violencia que provocará que nada vuelva a ser lo mismo ni para el Conductor ni para quienes le rodean.

Tomando como referencia la novela homónima de James Sallis, escritor estadounidense dedicado al género negro, el guionista Hossein Amini (Las Cuatro Plumas) construyó con precisión las bases de Drive de modo que la película combinara al mismo tiempo homenajes al cine de atracos y de mafias con una historia intensa. Entusiasmados con esta premisa, los productores ofrecieron el papel protagonista a Hugh Jackman, pero cuando el actor australiano se vio obligado a rechazar la oferta por problemas de agenda, el elegido para interpretar al conductor sin nombre fue Ryan Gosling (Half Nelson). Desde que leyó el guión, Gosling se involucró por completo en el proyecto, e incluso fue él mismo quien se puso en contacto con uno de los candiatos a directores, el danés Nicolas Winding Refn (Bronson). Una vez Winding Refn hubo aceptado el reto, el resto de miembros del reparto se fue uniendo a esta película de bajo presupuesto y de gran trasfondo.

Con un ritmo pausado, Drive sumerge a los espectadores en las atmósferas opresivas que habita el Conductor, un héroe solitario que hará lo imposible para que otros escapen de su mundo; y al mismo tiempo ofrece una película repleta de homenajes a las convenciones del cine de atracadores, mafias, tipos duros y violencia callejera que representan filmes tan ilustres como por ejemplo Harry el Sucio, Uno de los nuestros, Reservoir Dogs o Heat. Todo esto contando con la impecable dirección de Winding Refn, quien hace gala de un estilo sobrio y elegante, con una planificación brillante de las secuencias de acción y un magnífico trato con los actores.

Las fascinante ambientación de Drive merece una mención especial, ya que la película no tendría tanta fuerza sin el retrato oscuro que ofrece de la ciudad de Los Ángeles, con atmósferas opresivas y personajes sucios que recuerdan a la visión de Nueva York de la mítica Taxi Driver. A este logrado aspecto estético del filme contribuyen la cuidada fotografía y especialmente el apartado sonoro, en el que se incluye la banda sonora electrónica de Cliff Martínez (compositor habitual de Steven Soderbergh).

Todos los miembros del reparto brillan en sus respectivas (y breves) actuaciones: desde Carey Mulligan (Orgullo y Prejuicio) como una doncella en apuros moderna, al mafioso ambicioso de Ron Perlman (Hellboy), incluyendo al siempre genial Bryan Cranston (Breaking Bad), Oscar Isaac (Sucker Punch), Christina Hendricks (Mad Men) y por supuesto a Albert Brooks, una de las sorpresas de la película al interpretar un papel opuesto a su registro cómico habitual. Sin lugar a dudas, destaca por encima de sus compañeros de reparto la caracterización de Ryan Gosling como el Conductor, un solitario atormentado de pocas palabras, un héroe sin nombre que homenajea a los tipos duros del cine como Clint Eastwood y que no dudará en recurrir a la violencia si la situación le obliga a ello. En resumen, un papel ideal para la sobriedad interpretativa e intensidad que caracterizan el estilo de Gosling, uno de los actores del momento.

Oscura, intensa y con un acabado extremadamente pulcro, la combinación de homenajes cinematográficos con una trama tensa convierten a Drive en uno de los títulos fundamentales de 2011 y aseguran su futuro como película de culto.

Mike Lee's Selection for 2011

2011-12-31T09:03:00.002+01:00

El año nuevo está a punto de llegar y, como es costumbre en este blog, cerramos estos doce meses con un repaso a las películas que inundaron la cartelera y con mi selección personal de diez títulos que marcaron el año cinematográfico de una forma u otra.

En 2011 hemos podido disfrutar (o sufrir) en las salas de todo tipo de estrenos, desde las tragedias de personajes llevados al límite de Cisne Negro o The Fighter a las eficaces peripecas de ciencia ficción vistas en Destino Oculto, EVA o Sin Límites, pasando por desvaríos varios estilo Sucker Punch, el salto de las viñetas a la gran pantalla de superhéroes como Thor y el Capitán América, películas que han dado mucho que debatir como El Árbol de la Vida, thrillers de policías tan acabados como el protagonista de No habrá paz para los malvados, comedias recomendables como Cómo acabar con tu jefe, y por supuesto un aluvión de secuelas de todo tipo (Piratas del Caribe 4, Cars 2, The Hangover Part II, el final de Harry Potter...) e incluso de precuelas (El Origen del Planeta de los Simios). En resumen, un panorama muy variado.

Sin más preámbulos, os dejo con diez películas que para mí se encuentran entre lo más destacado del año cinematográfico:

*127 Horas: El director Danny Boyle saca el máximo partido a sus característicos y acelerados recursos narrativos en esta angustiosa historia de supervivencia en la que un inconmensurable James Franco interpreta a un excursionista atrapado en un inhóspito cañón de Utah.

*True Grit (Valor de Ley): Los hermanos Coen firman este western de aroma clásico, cuidado hasta el más mínimo detalle, para narrarnos una cuento de venganza por el que desfilan personajes pintorescos interpretados por un reparto inspirado formado por Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper y la debutante Hailee Steinfeld.

*Rango: Gore Verbinski deja de lado Piratas del Caribe y se pasa a la animación con una sorprendente película repleta de homenajes al western, a varios clásicos del cine y hasta de humor negro. Además, Johnny Depp da voz (y vida) al antihéroe protagonista.

*Código Fuente: Tras debutar con la fantástica Moon, el director Duncan Jones vuelve a contar con pocos pero bien aprovechados medios para construir una película de altas dosis de ciencia ficción y entretenimiento.

*X-Men. First Class: Bryan Singer vuelve para devolver a los mutantes al lugar de honor que les pertenece dentro del cine de superhéroes. En esta ocasión confía en Matthew Vaughn para narrar los orígenes de Xavier y Magneto, interpretados por unos carismáticos James McAvoy y Michael Fassbender.

*Super 8: J. J. Abrams y Steven Spielberg unen fuerzas en este homenaje a las películas de aventuras juveniles de la década de 1980 como Los Goonies, E.T. y Cuenta Conmigo, ofreciendo un filme con personalidad propia en el que queda patente la forma de entender el cine de entretenimiento del creador de Perdidos.

*Contagio: Steven Soderbergh y Scott Z. Burns reúnen a un reparto de pesos pesados (Matt Damon, Kate Winslet, Bryan Cranston, Marion Cotillard...) para contarnos los distintos puntos de vista ligados a la aparición de un nuevo virus de origen desconocido que amenaza con convertirse en una peligrosa pandemia global. La paranoia está servida.

*Las Aventuras de Tintín. El Secreto del Unicronio: Steven Spielberg se alía con Peter Jackson en esta rompedora película de animación, con la cual la técnica de captura de movimiento avanza a pasos agigantados al mismo tiempo que el espíritu de los cómics de Hergé inunda la pantalla en este regreso a la avenutra pura donde todo puede suceder.

*Misión: Imposible IV - Protocolo Fantasma: Después del baile de directores y registros de las anteriores entregas, el equipo formado por J. J. Abrams, Tom Cruise y Brad Bird consigue una película de factura impecable, trama imparable, reparto equilibrado y escenas espectaculares que no da respiro a los espectadores.

*Drive: Tributo al cine de atracadores, mafias y tipos más duros que el cemento que encuentra su voz propia gracias a una puesta en escena brillante y a un reparto entregado en el que destaca la interpretación de Ryan Gosling como el nuevo héroe sin nombre.

¿Y qué podemos aventurar de 2012? De momento, que vendrá cargado de estrenos, cómo no. Empezaremos por las películas de 2011 que suenan con fuerza para figurar entre las nominadas a los Oscar, como por ejemplo Moneyball, The Descendants, The Ides of March... seguiremos con el regreso de grandes directores como Clint Eastwood (J. Edgar), Martin Scorsese (Hugo), Steven Spielberg (War Horse) y David Fincher (Millenium); continuaremos con más secuelas (Sherlock Holmes 2, Men in Black 3, The Dark Knight Rises) y asistiremos al comienzo de nuevas sagas (John Carter) y a "precuelas" que generan una enorme expectación con sus primeros tráilers como Prometheus y El Hobbit. Pero ya hablaremos de todo esto, de mometo:

¡Feliz año a todos! ¡Que tengáis un estupendo 2012!

Una cálida celebración y un viaje inesperado

2011-12-26T21:31:00.002+01:00

El pasado día 19 se cumplieron diez años del estreno en cines de El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo, un hito en la historia del séptimo arte que dejó una huella imborrable en los espectadores que salimos maravillados de las salas tras ver la película. Con el estreno de Las Dos Torres y El Retorno del Rey en los dos años siguientes, el cineasta neozelandés Peter Jackson logró lo imposible al convertir la trilogía fantástica de J. R. R. Tolkien en una perfecta saga cinematográfica que cautivó por igual a público y crítica.

Durante mucho tiempo, varios productores, directores e incluso lectores consideraron las novelas de Tolkien inadaptables al cine. Esto no desanimó a Peter Jackson, director que comenzó su carrera con películas gore de pequeño presupuesto (véase Mal Gusto) y que decidió emprender una titánica tarea para conseguir la financiacón y los medios necesarios para rodar la trilogía completa de forma simultánea. Con el estreno de La Comunidad del Anillo, Jackson hizo desaparecer todas las dudas acerca de la viabilidad de su proyecto, consiguió asombrar a millones de espectadores en todo el mundo e influyó en películas posteriores, las cuales no dudaron en imitar la revolucionaria estética y los impresionantes efectos especiales de Weta Digital de los que Jackson había hecho gala.

Diez años después, Peter Jackson ha vuelto a la Tierra Media, en esta ocasión para hacerse cargo de filmar la precuela de El Señor de los Anillos: El Hobbit. Aunque todo el equipo se encuentra todavía inmerso en pleno rodaje, han tenido tiempo de presentar el primer tráiler del viaje de Bilbo Bolsón, el cual ha recibido el entusiasmo de los fans en la red. Muchos rostros conocidos, otros nuevos, atmósferas familiares y la sensación de que la magia puede volver a llenar la pantalla se desprenden de este primer tráiler.

Misión:Imposible IV - Protocolo Fantasma

2011-12-23T09:01:00.007+01:00

Durante los últimos años, el agente Ethan Hunt ha seguido la pista del terrorista internacional conocido como Cobalto, infiltrándose en una cárcel de Moscú en busca de información. Una vez es rescatado por su equipo, los terroristas atentan contra el Kremlin y dejan a Hunt y los suyos inmersos en una situación complicada: la FMI se ve obligada a iniciar el Protocolo Fantasma, de modo que los espías deberán trabajar por su cuenta y encontrar a los terroristas en una carrera contrarreloj con el fin de evitar un conflicto internacional.

Desde su inicio en 1996, la saga de Misión:Imposible ha sido una de las franquicias más peculiares de los grandes estudios por la disparidad de directores que se han encargado de ella y las distintas versiones que han ofrecido de un mismo concepto. Dirigida por Brian De Palma, la primera entrega fue todo un éxito de taquilla y aumentó todavía más la fama de superestrella de Tom Cruise con sus trepidantes escenas de espionaje. La segunda parte supuso un cambio considerable, con el tono "macarra" y de acción pura llena de incongruencias que le imprimió John Woo. Tiempo después de su estreno, en 2006, el propio Cruise decidió recuperar la franquicia y para ello confió en el televisivo J. J. Abrams, a quien dio la oportunidad de dirigir su primer largometraje. Una vez revitalizada la saga con la entretenida tercera entrega, Cruise, Abrams y el productor Bryan Burke se pusieron manos a la obra con la cuarta parte: Protocolo Fantasma.

En esta ocasión, el encargado de situarse tras la cámara ha sido Brad Bird, experto en animación que ha trabajado en varios capítulos de Los Simpson, El Gigante de Hierro y, ya en Pixar, en las oscarizadas Los Increíbles y Ratatouille. A pesar de ser su primera incursión en el cine de imagen real, Bird dota a la cuarta entrega de las misiones de Ethan Hunt de un ritmo muy fluido que combina a la perfección acción, humor, intriga y aventura. Además, sorprende la habilidad de Brad Bird para planificar y filmar las secuencias de acción (algunas de ellas verdaderamente impresionantes) y huir del estilo confuso y recargado de Michael Bay y compañía.

El propio director participó activamente en la elaboración del argumento junto con Abrams y Cruise, si bien fueron los guionistas de la serie Alias Josh Appelbaum y André Nemec los encargados de construir una historia completa y equilibrada en la que todo se complica más de lo que cabría esperar para Ethan Hunt y su equipo. También han contribuido a la impecable factura técnica los efectos especiales de Industrial Light & Magic y, por supuesto, la banda sonora de Michael Giacchino, quien recicla los temas clásicos de la franquicia y añade su sello propio con partituras que recuerdan ligeramente a su trabajo en Cars 2.

Tal vez lo único de lo que nos podríamos quejar es de que el villano no tiene la presencia ni el carisma que debería, y de que la película no sorprende demasiado al ser una cuarta parte: por muy difícil que lo tengan los protagonistas, sigue un esquema similar al de anteriores entregas. Como contrapartida a este pequeño inconveniente, son dignos de alabanzas los guiños y conexiones que Protocolo Fantasma establece con las tres primeras partes, ya sea con escenas que homenajean a otras o bien con los cameos de ciertos personajes.

Interpretando de nuevo a Ethan Hunt, héroe modélico, ingenioso y decidido, tenemos a Tom Cruise en plena forma, que decidió rodar él mismo buena parte de las escenas de acción en vez de dejarlas en manos de un especialista. Le acompaña un correcto reparto internacional: el siempre divertido Simon Pegg (Paul), que repite su papel de la tercera entrega; Paula Patton (Déjà Vu), Jeremy Renner, uno de los actores del momento gracias a su papel en The Hurt Locker; Michael Nyqvist (Millenium), Josh Holloway (Sawyer en Perdidos), Léa Seydoux (Robin Hood), y Anil Kapoor (el presentador de Slumdog Millionaire).

El trabajo combinado de los actores, de Brad Bird, J. J. Abrams y de todos los miembros de su equipo hacen de Misión:Imposible - Protocolo Fantasma una superproducción que merece la pena ver en pantalla grande, sumamente entretenida y recomendable para todos los que busquen emoción, aventura, humor y acción en una misma película que atrapa a los espectadores de principio a fin.

Vengadores Secretos, de Ed Brubaker

2011-12-20T23:54:00.003+01:00

Concluye la etapa del guionista Ed Brubaker al frente de la colección vengadora creada específicamente para él. A pesar de la decepción inicial con el primer arco argumental dedicado a la misión del equipo en Marte, la segunda aventura sí que hace justicia al concepto de grupo de operaciones encubiertas de Los Vengadores con una trama que mezcla la misteriosa organización del Consejo de las Sombras con los personajes orientales Fu Manchú y Shang Chi.

A lo largo de los siete números que componen el arco argumental, Brubaker construye una historia sencilla que abusa de algún que otro golpe de efecto pero que consigue entretener a los lectores. Además, el guionista demuestra una vez más su habilidad para mezclar los superhéroes con sus géneros favoritos, en este caso con las historias pulp de las que rescata a Fu Manchú; a la vez que entrelaza las subtramas relacionadas con conceptos que ha ido introduciendo poco a poco como El Consejo de las Sombras o el enigma de quién es realmente John Steele. Eso sí, su salida de la colección tras sólo doce números resulta un poco precipitada, habrá que comprobar si los nuevos guionistas continúan con las tramas planteadas o deciden empezar de nuevo.

En el apartado gráfico, el dibujante Mike Deodato se ha mantenido en su línea habitual: un estilo oscuro que respeta las formas superheroicas y una composición de página muy dinámica que agiliza notablemente las escenas de acción. En los últimos números le acompaña Will Conrad, quien decide amoldarse al estilo de su predecesor para ofrecer un acabado igual de vistoso.

En conjunto, Los Vengadores Secretos de Ed Brubaker ha resultado una colección un tanto descompensada (sobre todo por su exagerado primer arco argumental) que en su recta final ha conseguido explorar el potencial de este equipo de operaciones encubiertas dirigido por Steve Rogers, el Capitán América original.

*Algo similar ha sucedido con su colección hermana, Los Vengadores, que después de un comienzo forzado ha conseguido ofrecer una segunda aventura digna con un irregular pero solvente John Romita Jr. a los lápices y Brian Michael Bendis a los guiones.

Nominaciones a los Globos de Oro

2011-12-15T23:01:00.001+01:00

Esta semana está siendo bastante intensa para el mundo del cine. Para empezar, cada día surgen novedades relacionadas con futuros estrenos, películas que generan gran expectación y que desde hoy mismo aspiran a convertirse en lo éxitos de taquilla de 2012, como sucede en los casos del musical Rock of Ages, la segunda parte de The Expendables, que reunirá a todavía más leyendas del cine de acción; el regreso de los carismáticos Hombres de Negro; The Dictator, la nueva sátira de Sacha Baron Cohen; Los Vengadores, la gran apuesta de Marvel; y con las inquietantes pinceladas de lo que podrá ser Prometheus, la nueva película de ciencia ficción de Ridley Scott que promete estar conectada en cierto modo con el universo de Alien. Por si esto no fuera suficiente, también tenemos los primeros avances de los proyectos que están rodando en estos momentos los directores Baz Luhrmann (El Gran Gatsby, con Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Tobey Maguire) y Steven Spielberg (Lincoln, con Daniel Day-Lewis de protagonista).

El rostro misterioso de Prometheus.

Volviendo al presente, arranca la temporada de premios con las nominaciones a los Globos de Oro. Se cumplen la mayoría de las predicciones y encontramos un reparto bastante variado de nominaciones, con la presencia de las que muchos consideran las películas del año (bastantes de las cuales todavía no se han estrenado por aquí): Moneyball, The Help, The Descendants, The Ides of March, Medianoche en París... Sorprende la ausencia de We Bought a Zoo y destacan las nominaciones que han conseguido la francesa The Artist; Hugo, el nuevo trabajo de Martin Scorsese; y las dobles nominaciones del actor Ryan Gosling por Crazy Stupid Love y The Ides of March, y del director Steven Spielberg por Tintín y War Horse.

Spielberg y Day-Lewis en pleno rodaje.

En cuanto a la televisión, muchas de las revelaciones de 2011 se cuentan entre las filas de los nominados, como sucede con las series Boardwalk Empire, Juego de Tronos (Peter Dinklage se merece el reconocimiento por su papel de Tyrion Lannister), Homeland y la cada vez más sólida Modern Family. Habrá que esperar hasta el 15 de Enero para conocer a los ganadores, mientras tanto, el listado completo de los nominados está disponible en este enlace.

Los planes de Ryan Gosling

2011-12-09T13:46:00.004+01:00

En la última década, el actor que empezase dando vida al joven Hércules se ha ganado el respeto de los espectadores y cineastas por méritos propios. Vinculado al circuito independiente, el canadiense Ryan Gosling ha demostrado ser capaz de tansmitir las dudas y emociones de personajes intensos manteniendo siempre su estilo sobrio, nada propenso al histrionismo (lo cual, personalmente, me recuerda en ocasiones a ciertos papeles de Michael Douglas).

Entre sus interpretaciones más alabadas, para mí destacan especialmente las ofrecidad por el actor en Half Nelson (donde da vida a un profesor de insituto adicto a las drogas) y en Lars y una chica de verdad, con un retrato minucioso del protagonista. En 2010, Gosling sorprendió de nuevo con sus papeles en dos películas: All Good Things, sencillo thriller psicólogo en el que da vida al siniestro protagonista y le acompañan Kirsten Dunst y Frank Langella; y Blue Valentine, duro drama centrado en ñas dificultades que atraviesa una joven pareja gracias al cual recibió múltiples elogios por su intervención junto a la brillante actriz Michelle Williams.

Tras los halagos recibidos, 2011 ha sido un año especial para la carrera de Ryan Gosling con los estrenos tres películas bien diferenciadas que podrían suponer su consagración defnitiva: la recomendale comedia de cierto tono dramático Crazy Stupid Love, en la que comparte cartel con Steve Carell, Emma Stone y Julianne Moore; el oscuro thriller aclamado en el festival de Cannes, Drive; y la nueva y esperada película de Geroge Clooney y Grant Heslov, The Ides of March, centrada en la campaña política de un candidato a la presidencia de Estados Unidos y que cuenta con la participación de pesos pesados de la interpretación como Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, o Paul Giamatti.

Entre sus proyectos para 2012, destacan The Place Beyond the Pines, drama criminal dirigido por el director de Blue Valentine y que protagonizará otro actor en alza, Bradley Cooper; y The Gangster Squad, que narrará la lucha de la policía de Los Ángeles contra la mafia en la década de 1940 y cuenta con la presencia de Sean Penn y James Brolin en el reparto. En sus distintos estilos, cada una de ellas promete ser una propuesta interesante en la que Gosling demuestre de nuevo su profesionalidad como actor.

Expocómic 2011

2011-12-07T13:18:00.001+01:00

Del 1 al 4 de Diciembre se celebró en el Palacio de Cristal de la Casa de Campo la decimocuarta edición de Expocómic, el Salón Internacional del Cómic de Madrid, a la que tuve ocasión de asistir acreditado como prensa.

Al igual que en 2010, Expocómic se celebró en un recinto más amplio que su anterior ubicación en el Palacio de Convenciones de la Casa de Campo, con el espacio repartido entre la zona de stands, el escenario para las charlas y ponencias, los talleres, las exposiciones de autores como Esteban Maroto, Émile Bravo y Fernando Fernández, y hasta una zona dedicada a los videojuegos.

La tranquilidad del viernes

Después de la calma que reinó el jueves y el viernes, llegó el ajetreo del fin de semana, cuando el salón se llenó de coleccionistas en busca de números atrasados, caza-sketches que madrugaron para conseguir dibujos dedicados por sus autores favoritos, otakus regalando abrazos, y aficionados disfrazados con los cosplays de personajes de varios cómics, mangas, películas y series de televisión.

Firma de Juan Díaz Canales, autor de Blacksad

Además de la búsqueda de novedades, merchandising y números atrasados, las sesiones de firmas fueron otro de los grandes atractivos del salón, que contó con la presencia de dibujantes españoles como Carlos Pacheco, Jesús Merino, CAFU, Juan Díaz Canales o Aza; y de autores internacionales como John Bogdanove, Rick Leonardi y Rodolfo Migliari, quienes intentaron atender las peticiones de los aficionados.

Compras varias

A pesar de que la organización del evento ha confirmado cierto descenso en el número de asistentes al salón, Expocómic ha vuelto a demostrar ser todo un referente entre las convenciones dedicadas al mundo del cómic que lucha por mejorar año tras año. Para terminar, me gustaría saludar desde aquí a los compañeros de afición con los que me encontré en el salón (aunque sólo compartiéramos unos breves instantes) Oneyros, Yota, The Korinthian, Thanos_Malkav, y Aldo; y felicitar a la organización por hacer posible esta iniciativa un año más.

The Walking Dead T2: Primera Parte

2011-12-04T22:57:00.002+01:00

*Este post puede revelar detalles de la segunda temporada.

Con la conclusión de su séptimo capítulo, termina la primera parte de la segunda temporada de The Walking Dead, serie basada en el cómic homónimo de Robert Kirkman y Charlie Adlard que no regresará hasta Febrero de 2012 con los seis capítulos restantes.

Las sospechas iniciales se han cumplido y ha quedado demostrado cómo la serie ha perdido el rumbo. Después del éxito de audiencia y crítica de su primera temporada, los directivos del canal AMC decidieron prolongar la segunda entrega a trece episodios, lo cual se ha traducido en una sucesión de capítulos huecos con conversaciones vacías en las que la trama no avanza. Así, brilla por su ausencia el aumento de acción e intriga que cabría esperar teniendo en cuenta lo que sucede a partir del segundo volumen del cómic.

La fidelidad respecto al recomendable cómic es otro de los aspectos que tener en cuenta: en la primera temporada quedó claro que los productores y guionistas de la serie tomaban como base las líneas argumentales del cómic introduciendo cambios y suprimiendo personajes; pero en la segunda temporada los cambios con respecto al original son cada vez mayores y afectan considerablemente al desarrollo de las tramas y el tratamiento de los personajes, por lo que podemos hablar de "otra versión" del apocalipsis zombi ideado por Robert Kirkman, Tony Moore, Charlie Adlard y Cliff Rathburn.

La falta de fidelidad sería perdonable si por lo menos funcionara como ficción televisiva, pero la serie ni siquiera puede presumir de ello. En estos siete capítulos los guionistas han recurrido a artimañas dignas del culebrón con tal de alargar la trama y mantener a los espectadores pendientes del televisor cada semana. Se suceden las conversaciones ligeras, carentes de tensión, y los personajes aparecen desdibujados, con cambios constantes a la hora de tomar decisiones que reflejen su carácter y comportamientos totalmente alejados del cómic: Rick no es el líder que finge estar seguro de sí mismo para tranquilizar al grupo, es sencillamente absurdo en lo que han convertido al personaje de Shane, y el tratamiento de la desaparición de Sophia ha resultado forzado y sin dramatismo alguno; de hecho, el único personaje medianamente interesante ha sido Daryl, que curiosamente no aparece en los cómics. Además, la segunda temporada pierde espectacularidad en comparación con la primera al trasladar la acción de una gran ciudad desierta al ámbito rural.

El abandono de la serie por parte del cineasta Frank Darabont por conflictos con los directivos de la AMC pone en duda que la segunda mitad de esta temporada vuelva a convertirse en la ficción de calidad esperada. De momento, estos primeros siete episodios no han conseguido ni estar a la altura del cómic original, ni ofrecer un espectáculo digno de hacer frente al resto de propuestas del panorama actual de la ficción televisiva.

Sin Límites: El poder de la ambición

2011-11-28T09:41:00.001+01:00

Nada parece salirle bien al aspirante a escritor Eddie Morra: no consigue encontrar la inspiración necesaria para presentar en la editorial su primera novela, no puede pagar el alquiler de su diminuto apartamento y además su novia decide abandonarle. En plena crisis, descubre por casualidad los efectos del NZT, una droga que permite a quien la toma utilizar más del 10 % de su capacidad mental; por lo que Eddie se transformará en un exitoso hombre de negocios de la noche a la mañana. Sin embargo, él no es el único interesado en descubrir los secretos del NZT.

Basada en la novela de Alan Glynn, Sin Límites nos recuerda que "todo gran poder conlleva una gran responsabilidad," trasladando esta sabia enseñanza del tío Ben al caso de un desconocido que potencia sus facultades mentales gracias a una misteriosa droga y ocasiona que otros empresarios y mafiosos se interesen por el secreto de su repentino éxito, haciéndole la vida imposible.

Tras la cámara se encuentra Neil Burger, quien nos sorprendió con El Ilusionista y vuelve a conseguirlo en esta ocasión con un thriller de ciencia ficción dinámico, ágil, y entretenido con una interesante reflexión acerca de las consecuencias que puede tener el exceso de poder y de ambición. Llama la atención el cambio de estilo de Burger con respecto a su anterior película, sobre todo en las escenas de persecuciones y en aquellas que reflejan los efectos que el NZT tiene en los protagonistas, con el cambio en su percepción sensorial reflejado por logrados planos secuencia y un montaje muy elaborado.

Destaca la labor de Bradley Cooper, actor en alza tras el éxito de The Hangover que da la talla en Sin Límites representando las dudas y el sufrimiento del protagonista, consiguiendo transmitirnos la angustia que siente en determinadas situaciones. Interpretando a su pareja encontramos a Abbie Cornish en un papel decente (no como el de Sucker Punch), mientras que el legendario Robert De Niro ofrece una correcta actuación como el secundario Carl Van Loon, empresario que rivaliza con nuestro protagonista.

Con un acabado dinámico e interesantes reflexiones acerca de la ambición y el poder, Sin Límites sorprende como un recomendable thriller de ciencia ficción en el que Bradley Cooper demuestra su talento como intérprete.

Phenomena: Parque Jurásico y Terminator 2

2011-11-24T20:32:00.004+01:00

Desde finales de 2010, el equipo encabezado por el director Nacho Cerdà puso en marcha el proyecto conocido como Phenomena, que trata de recuperar grandes éxitos (ya clásicos) del cine estadounidense de las décadas de los 70, 80 y 90 en programas dobles.

El amigo Néstor nos contó la buena acogida de la que ha gozado esta iniciativa en el cine Urgel de Barcelona; y, debido a la fuerte demanda del público, Phenomena organizó un pase especial en el cine Palafox de Madrid los días 17, 18, 19 y 20 de Noviembre, de modo que los asistentes pudieron disfrutar en pantalla grande de títulos tan emblemáticos como Tiburón, El Exorcista, Harry el Sucio, El Resplandor, Regreso al Futuro, o Los Cazafantasmas. Por mi parte, pude asistir con Oneyros a la proyección de dos películas muy especiales: Parque Jurásico y Terminator 2.

Lo primero que me sorprendió fue el éxito de público de esta iniciativa, con suficientes espectadores como para llenar una sala bastante grande (entre los que hizo acto de presencia Santiago Segura). Eso sí, en cuanto se apagaron las luces, mi sorpresa inicial dio paso a un asombro total ante la inigualable entrega del público: durante la proyección del anuncio de Movierecord, de los tráilers de películas como El Cristal Oscuro o Howard el pato y especialmente de los dos filmes, el público demostró con aplausos, risas y vítores la gran admiración y fascinación que siguen despertando estas películas, las cuales se han ganado la condición de mitos para legiones de fans.

¿Qué decir de dos grandes películas como Parque Jurásico y Terminator 2? Tiempo después de su estreno, siguen manteniendo su capacidad para divertir, fascinar e inspirar a distintos tipos de espectadores. Fue toda una experiencia formar parte de un público capaz de dejarse asombrar por películas que ya ha visto decenas de veces, pero aun así aplaude con entusiasmo la aparición en pantalla de los personajes de Alan Grant (Sam Neill), Ellie Satler (Laura Dern), Ian Malcolm (Jeff Golblum), John Hammond (Richard Attenborough), en el caso de Parque Jurásico; de Terminator (Arnold Schwarzenegger), John Connor (Edward Furlong) y Sarah Connor (Linda Hamilton); y por supuesto de los nombres de los maestros de ceremonia Steven Spielberg, John Williams, Michael Crichton, Stan Winston, George Lucas y James Cameron.

La iniciativa de Phenomena ha calado hondo en el público, deseoso de revisitar en pantalla grande los clásicos del cine de entretenimiento que lo han fascinado durante mucho tiempo. Esperemos que esta propuesta de pases dobles prospere y se extienda a otras ciudades, donde seguro que gozará de una acogida estupenda.

Carrie, de Stephen King

2011-11-19T13:52:00.000+01:00

Se acerca la noche del baile de graduación, una fecha que esperan con ilusión todos los alumnos del último curso del instituto de Chamberlain, un pequeño pueblo de Maine. Todos menos Carrie White, una joven tímida e insegura, incapaz de relacionarse con sus compañeros por la enorme presión que ejerce sobre ella su madre, una fundamentalista cristiana que perdió el mínimo atisbo de razón hace tiempo. Pero nadie sospecha que Carrie ha desarrollado una curiosa habilidad en secreto: la telequinesis. Su venganza será terrible.

Publicada en 1974, Carrie fue la primera novela de Stephen King en cosechar un éxito inmediato, catapultando al autor a la fama y permitiéndole salir de la complicada situación personal y social en que se encontraba. Sorprende la frescura que desprenden sus páginas, en las que King desarrolló (por primera vez sin usar el seudónimo Richard Bachman) el drama personal de la joven y repudiada Carrie White, ofreciendo una narración fluida y de cierta complejidad al combinar las reflexiones de los personajes principales con recortes de prensa y artículos especializados que nos adelantan detalles del horror que ocurrirá en el clímax, lo cual consigue aumentar el suspense y mantener a los lectores expectantes durante toda la novela.

La trama de Carrie se sustenta sobre tres conceptos vinculados a lo largo de la novela: la crueldad en el trato humano, el fuerte sentimiento de culpa que de ella se desprende, y la sed de venganza en que desemboca finalmente. De este modo, la protagonista no es un ser malvado por naturaleza, sino una joven maltratada por las obsesiones de su madre, Margaret, y las burlas (y envidia) de sus compañeras de clase, Chris y Sue. La crueldad inicial da paso a la culpa que atormenta a Carrie y la impide realizarse, sentimiento que contagia a Sue y la lleva a buscar el perdón de la compañera de quien antes se mofaba. Se esforzará en vano, pues sus buenas intenciones han llegado demasiado tarde, ya que la popular Chris pone en marcha la humillación definitiva contra Carrie en un día tan señalado como el del baile de graduación, desatando todo el odio y rencor que la joven White sentía hacia el mundo en una despiadada venganza de terrible conclusión.

Como complemento de la novela conviene rescatar la adaptación que dirigió Brian De Palma en 1976. Aunque presenta ciertas diferencias en el desarrollo y magnitud de los hechos, logra mantener buena parte de la tensión y atmósfera de la obra original. Además resulta más que interesante observar la dinámica planificación de escenas (rompedora en su época, el auge del denominado Nuevo Hollywood), a lo que hay que sumar el reparto de este éxito de taquilla: Sissy Spacek (Malas Tierras), John Travolta, Piper Laurie (El buscavidas), y William Kaat (El gran héroe americano).

Las novelas que la siguieron confirmaron el talento de su autor, si bien en Carrie Stephen King demostró una capacidad narrativa inquietante y una elaborada construcción de la trama y los personajes.

Zombis, vaqueros, casas encantadas y el Gran Hermano

2011-11-16T20:14:00.002+01:00

Una vez terminada la temporada de estrenos televisivos, llegó la hora de comentar las impresiones que nos dejan los primeros capítulos de un regreso muy esperado y de tres novedades que están dando bastante de qué hablar.

La primera es, por supuesto, la segunda temporada de The Walking Dead, basada en el cómic homónimo de Robert Kirkman y Charlie Adlard. Con un comienzo brillante y un final que se alejaba del material original, su primera entrega se convirtió en el fenómeno televisivo de finales de 2010, por lo que el canal AMC no tardó en dar luz verde a una segunda temporada, cuyo rodaje estuvo repleto de polémica por la reducción de presupuesto y el despido de uno de los máximos responsables de la serie, el cineasta Frank Darabont. Una vez superadas las dificultades, la esperada segunda parte de las andanzas de Rick y compañía se estrenó a mediados del mes pasado con un resultado desigual: consiguió batir récords de audiencia, pero en los cinco capítulos que llevamos hasta ahora apenas ha pasado algo; se han basado libremente en los sucesos del cómic para ofrecernos episodios vacíos y encima los personajes pierden la fuerza de las viñetas, sobre todo Rick. Esperemos que los capítulos restantes suban el nivel, porque con semejante material de base la serie tiene mucho potencial.

Estrenada el pasado día 6, Hell on Wheels era una de las series que más expectación había generado debido a su complicado y caro rodaje, respaldado por la (cada vez más prestigiosa) cadena de los zombis. Hell on Wheels nos traslada a los Estados Unidos de 1865 para contarnos la historia de Cullen Bohannon, un ex-soldado confederado que participa en la construcción del ferrocarril que unirá el Este con el Oeste mientras busca a los asesinos de su mujer. Vaqueros sin escrúpulos, esclavos liberados e indios con sed de venganza se dan cita en los dos capítulos emitidos hasta la fecha, los cuales cuentan con actuaciones convincentes y una ambientación de lujo. Habrá que seguir las vías del ferrocarril.

La que dudo mucho que merezca la pena seguir es American Horror Story, la nueva "ida de pinza" de Ryan Murphy, creador de la exitosa (e insoportable a estas alturas) Glee. Después del éxito de los alumnos cantantes, Murphy intenta revitalizar el terror televisivo con la historia de una familia atormentada que se muda a un caserón encantado. Esta premisa da paso a una historia repleta de tópicos (apariciones fantasmales y vecinos trastornados incluidos) que además presume de una narración elíptica y sustos burdos que más que terror producen vergüenza ajena en los espectadores.

Para terminar, la nueva producción de J. J. Abrams y Bryan Burke sí que convence con su historia adictiva y vistoso acabado: se trata de Person of Interest, creación de Jonathan Nolan (guionista y hermano de Christopher) que mezcla los conceptos del Gran Hermano de George Orwell y del informe en minoría de Philip K. Dick para contarnos cómo un ex-agente de la C.I.A. y un multimillonario emplean el sistema de cámaras y micrófonos de la ciudad de Nueva York para resolver futuros crímenes. Su carácter procedimental se ve favorecido por el halo de misterio que envuelve a los dos protagonistas, interpretados por Jim Caviezel (La Pasión de Critso) y Michael Emerson (Ben Linus en Perdidos), y por las escenas de acción de cada uno de los intrincados casos a los que se enfrentan.

En próximas entradas hablaré de las comedias y las series de estreno previsto para comienzos de año, como Luck y Alcatraz. Mientras tanto, ¿qué series estáis siguiendo? ¿Qué os parecen sus nuevas temporadas?

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio

2011-11-13T23:59:00.007+01:00

Dando un paseo por el mercado de su ciudad, Tintín descubre la maqueta de un misterioso velero conocido como El Unicornio. Tras hacerse con ella, el intrépido reportero belga y su fiel can, Milú, se ven envueltos en una espiral de intriga y aventuras vinculada a los secretos que esconde el barco y que les llevará a visitar parajes exóticos, enfrentarse al despiadado cazatesoros Sakharine, y a conocer a un aliado sin igual: El capitán Haddock.

Cuando el gran Steven Spielberg alcanzó un éxito rotundo con la mítica Indiana Jones: En busca del arca perdida, hubo quien comparó el carácter de las aventuras del arqueólogo con las narradas en los cómics de Tintín. Intrigados, el cineasta y sus productores se pusieron en contacto con el creador de este clásico personaje, Hergé, quien confió en Spielberg para trasladar a la gran pantalla el mundo y andanzas de Tintín. Mucho tiempo después, el responsable de Parque Jurásico unió fuerzas con otro genio del cine de entretenimiento, Peter Jackson, y juntos no sólo han logrado adaptar al cine con fidelidad la obra original, sino que han conseguido todo un triunfo cinematográfico.

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio se basa en los álbumes El cangrejo de las pinzas de oro y el homónimo El secreto del Unicornio para presentarnos a los personajes y zambullirnos de lleno en el mundo que habitan. La película no da respiro a los espectadores, cuenta con un ritmo frenético y una trama que representa la aventura en estado puro, con pequeñas pistas que llevan a otras al estilo de Indiana Jones; al mismo tiempo que respeta el carácter del personaje, con guiños tanto a los cómics de Tintín como a emblemáticas películas de Spielberg (Tiburón) y Jackson (Braindead). Los responsables de una historia tan rica y cohesionda han sido tres reputados guionistas británicos: Steven Moffat (escritor de series como Dr. Who o Sherlock), Edgar Wright (director de las brillantes Shaun of the Dead y Scott Pilgrim vs. the World), y Joe Cornish (humorista amigo de Wright que acaba de debutar en la dirección con Attack the Block).

Con el propósito de conseguir un aspecto fiel a la estética de Hergé y realista al mismo tiempo, Peter Jackson y su prestigioso estudio Weta Digital (responsables de los efectos visuales de El Señor de los Anillos y Avatar) han dado un gran salto en el empleo de la técnica de captura de movimiento en animación, recurso empleado por Robert Zemeckis en películas como Polar Express y Cuento de Navidad. En el caso de Las aventuras de Tintín, la animación alcanza cotas de realismo pasmosas, con imágenes sobrecogedoras y un abrumador cuidado de los detalles más pequeños. Además, esta técnica da a Spielberg nuevas posibilidades a la hora de explorar los escenarios, con planos secuencia imposibles y escenas de acción vertiginosas.

Otro aspecto que tener en cuenta y que prácticamente es motivo de celebración es que el compositor John Williams se encarga de la banda sonora, aportando una nueva dimensión a las imágenes con sus desbordantes fanfarrias, las cuales incluyen tintes belgas para la ocasión. Aunque no sea tan sencillo reconocerlos como a las partituras del maestro Williams, célebres actores como Jamie Bell (Tintín), Andy Serkis (Haddock), Daniel "Bond" Craig (Sakharine), y el desternillante dúo cómico que forman Simon Pegg y Nick Frost (Hernández y Fernández) prestan su voz, movimientos y expresiones faciales para dar vida a los personajes. Milú es el único creado digitalmente por completo, e incluso así tiene el carisma necesario para "robar" unas cuantas escenas.

Dependiendo de su éxito en Estados Unidos, puede que en unos años El secreto del Unicornio cuente con un par de secuelas. Mientras tanto, público, crítica y aficionados al cómic se rinden ante el talento y trabajo duro de Spielberg y Jackson y quedan fascinados por el humor, el misterio y la aventura pura que pueblan cada rincón del mundo del intrépido Tintín. Sin duda, una de las películas del año.

Némesis Superior

2011-11-06T11:20:00.001+01:00

Después del éxito sorpresa que supuso Kick-Ass, cómic que consiguió dar el salto al cine antes incluso de terminar de publicarse, el guionista escocés Mark Millar prácticamente se ha adueñado del sello Icon de Marvel, que permite a los autores mantener los derechos de sus creaciones y dotar a las historias de un tono más "adulto".

Bajo el citado sello, Millar ha publicado los cuatro números de Némesis, miniserie que da la vuelta al concepto de Batman transformándolo en un villano multimillonario que se dedica a sembrar el caos y la destrucción allí donde le place. Mi impresión acerca de este cómic apenas ha cambiado desde la primera vez que lo comenté en este blog: se trata de una historia entretenida pero vacía, en la que priman la violencia exagerada y un par de golpes de efecto facilones, además de que el dibujo de Steve McNiven tiene un acabado sucio y no se aproxima al nivel de sus anteriores trabajos. Tal vez lo único interesante de la serie sea la revelación relacionada con la verdadera identidad de Némesis en la última página, que seguramente dé pie a una secuela.

Otro proyecto en Icon del citado guionista es la inconclusa Superior, que aplica el esquema de Kick-Ass y Némesis al icono de Superman. Con esta base, nos cuenta la historia de Simon Pooni, un joven neoyorkino que sufre una dura enfermedad hasta que se transforma mágicamente en Superior, un popular superhéroe que combina las habilidades del último hijo de Krypton y del Capitán Marvel. En esta ocasión, Leinil Francis Yu se encarga del apartado gráfico, sin duda el mayor atractivo de una historia que se aleja del violento estilo de Millar para centrarse en cómo Simon descubre sus poderes, aunque esto no durará mucho y los golpes de efecto no tardarán en sucederse.

La buena acogida de la que gozan estos cómics entre el público ha propulsado los nuevos proyectos de Mark Millar, entre los que se encuentran la también inconclusa continuación de Kick-Ass (que sigue exactamente donde lo dejó el primer volumen y aumenta las dosis de violencia), Supercrooks (su nueva colaboración con Leinil Francis Yu centrada en un grupo de supervillanos que se refugian en España), y su propia película independiente, la cual ha definido como una mezcla entre Trainspotting y X-Men. Parece ser que el estilo irreverente y descarado de Mark Millar tiene cuerda para rato, aunque no estaría de más que se arriesgase con algo diferente en sus próximos cómics.

Contagio: Pandemia y Paranoia

2011-11-03T09:22:00.005+01:00

Un nuevo virus de origen desconocido amenaza con diezmar la población de todo el planeta. Ante esta situación de riesgo, organizaciones como el CDC y la OMS inician una serie de lentos protocolos de control e investigación, mientras que miles de personas deben enfrentarse a la incertidumbre y la paranoia que desencadena una pandemia global.

Desde su debut en el circuito independiente, el cineasta estadounidense Steven Soderbergh ha mantenido un ritmo frenético de trabajo, filmando alrededor de una película al año y siempre involucrándose por completo en sus proyectos, en los que, además de la dirección, se suele encargar de la fotografía y de supervisar el guión. A lo largo de su carrera ha experimentado con distintos géneros, rodando aclamados dramas criminales (Traffic), thrillers de éxito con un reparto de estrellas (la trilogía Ocean's) y hasta comedias (El Soplón). A pesar de haber anunciado su retiro temporal del cine, todavía tiene unas cuatro películas pendientes de estreno sin incluir la que hoy nos ocupa, Contagio, en la que se reunió con Scott Z. Burns, guionista de la saga Bourne y la mencionada El Soplón.

Al contrario que otras películas de corte catastrófico, Contagio opta por un enfoque realista y se limita a reflejar los distintos protocolos y reacciones humanas que dispararía una hipotética epidemia mundial, muy similar a las que hemos sufrido recientemente. Para cumplir semejante propósito, Contagio nos presenta una historia coral, en la que cada personaje refleja uno de los múltiples efectos que el virus tiene sobre la población: el lento proceso de investigación y búsqueda de una cura que emprenden los organismos gubernamentales, los negocios de las empresas farmacéuticas aprovechando la situación, el miedo y paranoia que propagan los medios de comunicación, y, por supuesto, los estragos y devastación que la pandemia causa en los ciudadanos de a pie.

Con este planteamiento, Soderbergh se decanta por un estilo con fuertes toques de documental que da un aspecto todavía más realista a la elaborada puesta en escena. Sin embargo, aunque la incómoda banda sonora compuesta por Cliff Martínez (habitual del director) contribuye a incrementar la tensión, la emoción y el ritmo de Contagio decaen en su tramo final, en parte debido a su enfoque coral y a su ruptura con las convenciones de las películas catastrofistas; lo cual, por otra parte, no provoca que los espectadores perdamos interés por la historia, sino que nos quede la sensación de un apartado final un tanto prolongado y alejado de la fuerza de los minutos inciales de metraje.

Para la ocasión, Soderbergh ha conseguido reunir a un reparto de auténtico lujo, con actrices y actores que demuestran de nuevo su gran talento interpretativo a pesar de no disfrutar de demasiados minutos en pantalla y ofrecer pequeñas pinceladas de sus personajes debido al carácter coral de la película. En el trío protagonista nos encontramos con tres personajes bien diferenciados como son los de Laurence Fishburne (un médico del CDC), Jude Law (un blogger que intenta revelar "la verdad" que los medios de masas ocultan), y Matt Damon (un padre de familia desconcertado ante la epidemia). En papeles secundarios y pequeñas apariciones les acompañan Kate Winslet (Revolutionary Road), Marion Cotillard (Origen), Gwyneth Paltrow (Iron Man), Elliott Gould (American History X), y los actores en alza John Hawkes (Winter's Bone) y Bryan Cranston (Breaking Bad).

Atrevida en su planteamiento e inquietante en su reflejo de la realidad, Contagio supone un nuevo éxito en la carrera de Steven Soderbergh, capaz de reunir en una misma película distintos puntos de vista acerca de un fenómeno de máxima actualidad y a un reparto de altura variado y entregado.

EVA: ¿Qué ven los androides cuando cierran los ojos?

2011-10-28T09:35:00.002+02:00

Álex, un joven y prometedor ingeniero, vuelve a su ciudad natal después de dedicarse durante diez años a investigar en los campos de la robótica y la inteligencia artificial. A su regreso deberá enfrentarse a fantasmas del pasado y viejos conflictos que le persiguen desde hace demasiado, al mismo tiempo que afronta su mayor reto profesional: desarrollar un androide capaz de simular con total exactitud los pensamientos y emociones de un niño humano, para lo cual contará con la ayuda de su sobrina, la atrevida Eva.

Dirigida por el debutante Kike Maíllo, Eva se alza por méritos propios como una de las películas españolas de 2011 más interesantes y atrevidas. Los espectadores nos encontraremos con una historia de tintes melodramáticos y de ambientación propia del género de la ciencia ficción, fruto de un equipo entregado que ha conseguido que todos sus elementos estén bien cuidados y pulidos, ofreciendo en su conjunto una película muy cohesionada: desde un guión sostenido por diálogos fluidos y por el triángulo amoroso que forman los protagonistas hasta la narrativa sencilla y eficaz de Maíllo; pasando por una adecuada banda sonora, logrados efectos especiales al servicio de la trama, y referencias a las cuestiones planteadas acerca de la humanidad de los androides en películas como Blade Runner e Inteligencia Artificial. Por supuesto, no debe dejarse a un lado la ambientación, que mezcla rasgos futuristas como el desarrollo de la tecnología robótica con una estética retro, propia de los años 70 y 80, similar a lo visto en Moon, de Duncan Jones.

Los actores también cumplen y están bastante comedidos en sus papeles. En el reparto nos encontraremos con la solvente Marta Etura (Celda 211), las breves apariciones de Lluís Homar (Los ojos de Julia) aportando el contrapunto cómico, y los gestos un tanto forzados y exagerados de Alberto Ammann (curiosamente, pareja de Marta Etura en la mencionada Celda 211). El mayor peso dramático cae sobre la debutante Claudia Vega, que da vida a la vivaz niña del título, y también sobre los hombros de Daniel Brühl (Malditos Bastardos), quien sorprende por su compostura y construcción del protagonista, de quien vamos descubriendo más a medida que avanza la trama.

Drama ligero con toques de ciencia ficción, Eva sorprende por la entrega del todo equipo que ha trabajado en ella, quienes han logrado una película muy entretenida de factura vistosa.

Ubik, de Philip K. Dick

2011-10-25T09:45:00.000+02:00

En 1992, Glen Runciter dirige la mayor empresa de inerciales, personas con poderes psíquicos capaces de inutilizar las habilidades telepáticas y precognitivas de los espías que trabajan en compañías rivales. Cuando una misteriosa mujer contrata sus servicios en la Luna, Runciter sabe que está a punto de enfrentarse al mayor telépata de la Tierra, por lo que reúne a su equipo de inerciales al completo, incluyendo al técnico Joe Chip. Al llegar a su destino, no tardan en descubrir que les han tendido una trampa y, acto seguido, la explosión de una bomba termina con la vida de Runciter. En su regreso a la Tierra, Joe Chip y el resto de inerciales intentan descubrir quién está detrás de lo sucedido, al mismo tiempo que una serie de fenómenos paranormales amenaza su existencia. La respuesta parece encontrarse en el enigmático aerosol conocido como Ubik.

Con este atípico argumento, Ubik destaca como una novela clave en la producción de Philip K. Dick a la vez que explora temas constantes en la obra del conocido autor de ciencia ficción. En sus páginas, Ubik nos plantea una historia intrigante, inquietante y sumamente angustiosa que hará que los lectores se sientan desconcertados y sufran con los personajes. Además, Ubik aborda una de las cuestiones fundamentales de los textos de Dick: la imposibilidad de distinguir entre la realidad y la ficción, sueños y apariencias, bebiendo de ideas filosóficas que aumentarán la incertidumbre de los lectores hasta el mismísimo final de la novela, revelador y oscuro por igual. Otros de los rasgos característicos de Dick que aparecen en la novela son el futuro distópico gobernado por empresas multinacionales en las que trabajan los protagonistas; y la presencia de una deidad de cualidades y naturaleza incomprensibles que de algún modo rige las vidas de los humanos, como sucede en este caso con el aerosol Ubik, o con Wilbur Mercer en ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? y con el Departamento de Ajustes en Equipo de ajuste.

Absorbente, perturbadora y sombría, Ubik se alza por su profundidad y complejidad no sólo como una de las novelas indispensables dentro de la obra de Philip K. Dick, sino de la ciencia ficción.

Intruders: En las garras de Carahueca

2011-10-19T09:42:00.004+02:00

Dos niños sin aparente conexión, el madrileño Juan y la londinense Mia, sufren aterrados la persecución del ser espectral conocido como Carahueca, quien les acecha por las noches y es capaz de transformar sus sueños más profundos en horribles pesadillas. El sufrimiento de los pequeños llevará a sus respectivos padres a hacer todo lo posible por detener a Carahueca, y finalmente será el padre de Mia quien investigará las raíces del extraño ser sin rostro.

Después de sorprender en 2007 con su puesta en escena y vuelta de tuerca a la saga de los infectados en 28 semanas después, el director español Juan Carlos Fresnadillo regresa con la película de terror Intruders. A pesar de la larga espera y expectación que ha generado este proyecto debido al bombazo que supuso la mencionada secuela de 28 días después, Intruders no termina de funcionar en ningún momento, resultando un filme de una estructura ensamblada con dificultad, incapaz de sumergir a los espectadores en la historia, llegando incluso a despertar el aburrimiento entre el público.

Probablemente, la culpa no sea de Fresnadillo, quien ha dedicado mucho tiempo y esfuerzo a sacar adelante este proyecto y realiza una labor correcta como director, siendo capaz de generar atmósferas oscuras y opresivas. El principal problema de Intruders reside en el guión escrito por Jaime Marqués y Nicolás Casariego, que se topan con una enorme dificultad a la hora de combinar con agilidad las historias paralelas de los niños (por algo son tan alabados los guiones de películas como Magnolia o Pulp Fiction) y al mismo tiempo sumergir a los espectadores en un inquietante viaje a la raíz del miedo que sufren sus protagonistas. En vez de conseguir esto último, la película deambula de un lado para otro y abusa de tópicos de clásicos del terror como El exorcista (con una forzada presencia de un par de sacerdotes), Poltergeist (con la correspondiente niña que contacta con presencias extrañas), Pesadilla en Elm Street, y hasta de los dementores de Harry Potter. Por suerte, el tramo final consigue despertar el interés en el público y nos ofrece un desenlace convincente.

Debido a este desajuste, en el reparto nos encontramos actores desaprovechados con personajes insulsos como los de Daniel Brühl (Malditos Bastardos), Carice van Houten (Valkiria) o Pilar López de Ayala (Juana la Loca); y a otros más acertados como Clive Owen interpretando a un padre de familia preocupado (similar al de sus trabajos más recientes) y a la convincente Ella Purnell haciendo de niña aterrada.

Si bien la labor de Juan Carlos Fresnadillo es digna de reconocimiento, Intruders no consigue funcionar como película, ni mucho menos de terror, debido a una historia plagada de tópicos que avanza con dificultad, a saltos, sin lograr involucrar a los espectadores ni transmitirles el miedo que inunda a sus protagonistas.

Batman, Inc: Corporación Mundial

2011-10-16T12:23:00.001+02:00

Desde que tomara las riendas del murciélago, Grant Morrison ha sometido a Batman a todo tipo de pruebas físicas y psicológicas que han forzado a Bruce Wayne a replantearse su condición de cruzado enmascarado. Tras una serie de sagas en las que el guionista escocés fue introduciendo personajes nuevos, rescatando otros y dejando pistas (a las que hice referencia aquí), las colecciones de las que se encargaba sufrieron una conclusión absurda y estrafalaria en la que las excentricidades se escapaban de las manos de Morrison, abriendo el camino a una nueva propuesta: Batman, Inc.

La nueva cabecera protagonizada por el caballero oscuro arranca con una premisa cuanto menos curiosa: cansado de sus titánicos esfuerzos, Bruce Wayne decide financiar una red internacional de hombres murciélago que combata el crimen a nivel global. Así, emprende un viaje alrededor del mundo designando encargados de portar el manto del murciélago en ciudades como Tokyo, Buenos Aires, Hong Kong, o París, al mismo tiempo que intenta hacer frente a una nueva red terrorista conocida como Leviathan.

Por desgracia, el poco interés que podía despertar semejante propuesta se esfuma después de los dos números iniciales: el leve argumento se desvanece, a Morrison "se le va la pinza" y da paso a historias cada vez más extravagantes que poco tienen que ver con la esencia oscura y detectivesca del personaje; además de que los villanos de Leviathan no son más que un calco de El Guante Negro, los criminales que ya aparecieron en Batman R.I.P. Lo único que se salva es el dibujo de Yanick Paquette en los cuatro números de los que se encarga, porque los otros dos dibujantes sólo contribuyen a empeorar la colección.

Después de sus ocho episodios iniciales, la llegada del relanzamiento/reinicio de DC Cómics no parece que vaya a afectar demasiado al desarrollo de la colección, que cambiará su nombre por Batman: Leviathan y continuará con las tramas desarrolladas por Grant Morrison, que desde luego no merecen la pena al buscar conceptos estrambóticos que llevan a caer en la repetición y alejarse de la esencia del personaje.

Horrible Bosses: Cómo acabar con tu jefe

2011-10-12T23:47:00.001+02:00

Desesperados ante su actual situación laboral, Nick, Kurt y Dale, tres viejos amigos, deciden emular la propuesta de Extraños en un tren y planean la mejor forma de acabar con sus respectivos jefes: un arrogante ejecutivo, una dentista devora hombres, y un repugnante obseso de las artes marciales. Para ello, los tres amigos se pondrán en contacto con un especialista en "deshacerse" de personas no deseadas, pero cuando las cosas no vayan como esperaban se verán obligados a entrar en acción ellos mismos.

Dirigida por Seth Gordon (quien trabajó tras la cámara en series como The Office y Modern Family), Cómo acabar con tu jefe se ha convertido en la comedia sorpresa de la temporada gracias a su equilibrado trío protagonista, eficaz puesta en escena, humor irreverente que se ríe de estereotipos y, sobre todo, a su guión, perfectamente estructurado a la hora de retorcer la trama combinando obstáculos imprevistos con complicaciones que surgen por el carácter de los personajes, por lo que en este sentido se asemeja bastante al ya mítico resacón de Phil, Stu, y Alan en Las Vegas.

Junto a un guión que no da respiro y mantiene a los espectadores atentos a lo que sucede en pantalla, el otro gran aliciente de esta película es su atípico reparto. Para empezar, lo encabezan tres actores entre los que surge una química inmediata: el serio y sufrido Jason Bateman (Juno), el cómico en alza Jason Sudeikis y el televisivo Charlie Day (Colgados en Filadelfia), que recoge el testigo de Zach Galifianakis como personaje histérico y excéntrico. Les acompañan secundarios de lujo que aportan toques muy peculiares a los personajes que interpretan, como sucede con el siempre excelente Kevin Spacey, un irreconocible Colin Farrell, y una sorprendente Jennifer Aniston alejada de sus papeles habituales en las comedias románticas. Por si no bastara con ellos, tenemos todo un desfile de cameos entre los que destacan las apariciones de Jamie Foxx, el gran Donald Sutherland, Ioan Gruffudd (Mr. Fantástico), y Julie Bowen (Claire en Modern Family).

Si a todo esto le añadimos una acertada selección musical, un ritmo frenético, bromas de cine relacionadas con Danny DeVito, El diario de Noa o Will Hunting, y una aparición estelar de los famosos Angry Birds, nos encontramos con una una comedia gamberra, extremadamente divertida y sumamente recomendable.

Gamefest 2011

2011-10-09T19:53:00.001+02:00

El pasado fin de semana se celebró en Madrid la segunda edición de Gamefest, feria dedicada al mundo de los videojuegos. Debido al gran éxito de esta iniciativa, la organización logró obtener un recinto mucho más grande para la convención de 2011, que sin embargo pronto se quedó pequeño debido a la masiva afluencia de público.

Como ya sucediera en 2010, Gamefest ha demostrado la buena salud de la que goza el mundo de los videojuegos, uno de los escasos sectores de la "industria" del entretenimiento que se mantiene en auge a pesar de la situación actual, mientras que otros como la música, el cine, e incluso los libros sufren cada vez más pérdidas.

Posiblemente, una de las claves del éxito de las videoconsolas resida en el amplio público que atraen, lo que quedó demostrado con la presencia en Gamefest de aficionados de todas las edades. De hecho, entre las nuevas propuestas de las grandes compañías del sector se percibe una clara diferencia entre productos pensados para toda la familia, como por ejemplo las nuevas versiones de Wii Fit o Dance Central (que hace uso del sistema Kinect de Xbox); y otros videojuegos que heredan las formas y promoción propias de las superproducciones cinematográficas y generan una gran expectación entre las legiones de seguidores que no se pierden una entrega de la saga en cuestión. En este último grupo destacaban Assassin's Creed: Revelations (supuestamente la última aventura de Ezio Auditore), Uncharted 3: La traición de Drake, Gears of War 3, Batman: Arkham City (donde el caballero oscuro se las verá con sus peores enemigos), y sobre todo la rivalidad entre las terceras partes de Battlefield y Call of Duty: Modern Warfare, que compiten por convertirse en el juego bélico más esperado y realista del año.

En esta edición de Gamefest también hubo sitio para los clásicos, y aunque las novedades antes mencionadas acapararon mayor atención y larguísimas colas de espera, personajes tan queridos como Link o Mario gozaron de sus propios stands para presentar las nuevas versiones de sus aventuras; incluso se rindió homenaje a Sonic el erizo por su vigésimo cumpleaños.

Gracias a su buena acogida, Gamefest ha conseguido acercar a los aficionados y medios especializados a las novedades de próximo lanzamiento en el sector de los videojuegos, y esperemos que el éxito y repercusión de la feria aseguren su regreso en su próxima edición.

Policías acabados, seres diminutos, habitaciones del pánico y deudas del pasado

2011-10-01T11:55:00.158+02:00

Los pasados 26, 27, y 28 de septiembre se celebró la denominada "fiesta del cine", que por el precio de 2€ por película pretende acercar a los espectadores a las salas, cada vez más vacías debido en parte a la actual crisis económica y al precio de las entradas, que crece a un ritmo desorbitado. En una sesión maratoniana pude disfrutar (y sufrir en algún caso) de cuatro títulos bien diferenciados en temática y estilo, acerca de los cuales trasnmitiré mis breves impresiones a continuación.

No habrá paz para los malvados: El director y guionista Enrique Urbizu (La caja 507) consigue una propuesta rompedora dentro del cine español al huir de los topicazos característicos y enmarcar su nueva película dentro de las convenciones del thriller policíaco. Con un ritmo pausado y un estilo sobrio heredero de la premiada No es país para viejos de los hermanos Coen, acompañaremos al policía Santos Trinidad en una complicada investigación desarrollada en un ambiente tan particular y bien aprovechado como es el Madrid actual, con bandas de narcotraficantes colombianos, clubes nocturnos, y peligrosas células yihadistas. El reparto hace lo que puede por resultar convincente, pero todos quedan ensombrecidos ante la presencia de José Coronado, actor que compone con pequeños gestos y breves frases un personaje tan intrincado e interesante como es el antihéroe Santos Trinidad. Eso sí, tal vez unos minutos menos de metraje habrían favorecido el ritmo de No habrá paz para los malvados, a la altura de la Celda 211 que ya nos sorprendió en 2009.

Arrietty y el mundo de los diminutos: Por fin ha llegado a nuestras salas la nueva obra del prestigioso Estudio Ghibli, los genios de la animación japonesa responsables de La Princesa Mononoke y El viaje de Chihiro, entre muchas otras. De la dirección se encarga el debutante Hiromasa Yonebayashi, mientras que Hayao Miyazaki queda relegado a labores de producción y a la escritura del guión, basado en la novela The Borrowers (que ya contó con una versión cinematográfica protagonizada por John Goodman). Por suerte, no sucede lo mismo que con la infumable Los cuentos de Terramar y en Arrietty el sello de Miyazaki y su estudio está presente a lo largo de toda la película: los espectadores disfrutaremos del encuentro de dos personajes pertenecientes a mundos opuestos, de una asombrosa animación tradicional cuidada hasta en los detalles más pequeños, de un retrato preciosista de la naturaleza, y de una prodigiosa banda sonora con tintes celtas. Tal vez lo que aleje Arrietty de las obras cumbres de Miyazaki sea la ausencia de más conflicto en el tramo central, pero sí comparte con ellas la carga dramática que soportan los personajes.

La cara oculta: Coproducción hispano-colombiana que gira en torno a los celos generados por el triángulo amoroso que forman los protagonistas, lo cual da pie a una trama de intriga que intenta utilizar sin éxito recursos propios del cine de Hitchcock para caer en sustos y resoluciones ridículas. A pesar de un apartado técnico vistoso, la trama pierde fuerza según pasan los minutos y crecen los topicazos, a lo que contribuyen las pobres interpretaciones del reparto, especialmente la de Clara Lago, que da vergüenza ajena con su falsísima forma de hablar y gestos forzados. Insufrible. La habitación del pánico de David Fincher transmite mucha más angustia y retrata mejor a los personajes.

La Deuda: Thriller de espionaje centrado en un grupo de agentes del Mossad que deben capturar a un criminal nazi en el Berlín Oriental de 1965. Sin embargo, la misión no va como debería, y lo que sucede a continuación dará lugar a fantasmas del pasado que afectarán a los protagonistas años después. El tándem de guionistas formado por Matthew Vaughn y Jane Goldman (X-Men: First Class) se aleja de su registro habitual en esta intriga de espías pre-Bourne que dirige con corrección el británico John Madden (Shakespeare in Love). El reparto está encabezado por la solvente actriz del momento, Jessica Chastain (El árbol de la vida), un sobrio Sam Worthington (Avatar) lejos de sus papeles de héroe de acción, y los veteranos Helen Mirren y Tom Wilkinson en pequeños roles. La ambientación y la música de Thomas Newman acompañan el fluido primer tramo de la película, con un interesante retrato de las motivaciones de los tres protagonistas, sus relaciones y sentimientos encontrados; si bien la parte final rompe con la dinámica anterior y ofrece un desenlace un tanto precipitado.

En resumen, una película sonrojante (La cara oculta), una entretenida historia de espías a la vieja usanza (La deuda), una cautivadora obra de animación (Arrietty y el mundo de los diminutos), y un recomendable y rompedor thriller policíaco (No habrá paz para los malvados), y todo ello por el precio habitual de una sola entrada.

El árbol de la vida, de Terrence Malick

2011-09-27T22:43:00.002+02:00

Debido las circunstancias que envuelven su obra y carrera, Terrence Malick es considerado uno de los cineastas estadounidenses actuales más peculiares. Alcanzó el éxito como director y guionista en 1973, en pleno auge del Nuevo Hollywood, con Malas Tierras, película protagonizada por Sissy Spacek y el gran Martin Sheen centrada en una pareja de jóvenes enamorados que dejan un reguero de sangre y asesinatos en su fuga por los parajes de Montana. Con su mezcla de violencia cruda e imágenes líricas, no tardaría en convertirse en un referente para muchos, influyendo en títulos posteriores como Amor a quemarropa, de Tony Scott, o Asesinos natos, de Oliver Stone.

La siguiente película de Terrence Malick, Días de cielo, tardó cinco años en ver la luz, durante los cuales el director experimentó con la fotografía del mencionado filme, en el que su toque personal se hace notar en la combinación de imágenes líricas, énfasis en la naturaleza y personajes simbólicos. Después de su estreno en 1978, Malick desapareció misteriosamente. Según los rumores, se había trasladado a Francia a trabajar como profesor; y no fue hasta 1998 cuando regresó al cine con unas condiciones de trabajo muy estrictas (entre las que se incluía la prohibición de aparecer en fotografías y distintas imágenes del rodaje). La delgada línea roja, su largometraje sobre la batalla de Guadalcanal en la Segunda Guerra Mundial protagonizado por un reparto estelar, supuso un considerable éxito de crítica, con ciertos cambios en su narrativa que volverían a estar presentes en sus próximos trabajos: El Nuevo Mundo, película centrada en el romance entre Pocahontas (cuyo nombre no se pronuncia en todo el filme) y John Smith que recibió una templada acogida; y el que hoy nos ocupa, El árbol de la vida, que sufrió un rodaje largo y accidentado (de hecho, en un primer momento el protagonista iba a ser interpretado por Heath Ledger) y una postproducción en la que se redujeron las más de seis horas filmadas al montaje final de dos horas veinte minutos.

Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes, El árbol de la vida nos narra la saga familiar de los O'Brien desde el punto de vista de su primogénito, Jack, a quien asaltan multitud de dudas mientras repasa los años que vivió en un área residencial de Texas con su padres y hermanos en la década de 1950. Nos encontramos ante una película inusual por el modo en que está filmada, y sobre todo densa por su contenido y la forma en que lo aborda. Terrence Malick despliega una narración impresionista, en la que una sucesión de imágenes cósmicas da paso a pinceladas de la vida de Jack. La película lanza preguntas acerca de temas tan complejos como la vida, la muerte, o la existencia de una deidad superior a los humanos (en la que se perfilan rasgos propios de las religiones judeocristianas, si bien la película termina optando por un modelo panteísta que defiende la naturaleza como manifestación de la divinidad, al igual que sucede en las anteriores películas de Malick); y para ello emplea una serie de metáforas visuales recurrentes a lo largo de todo el filme (muchas de ellas tomadas de la literatura modernista, como por ejemplo del poema La tierra baldía, de T. S. Eliot): el árbol como símbolo de vida, el agua como fuerza vital y destructora al mismo tiempo, el sufrimiento y belleza presentes en la naturaleza...

Al mismo tiempo, El árbol de la vida propone a los espectadores un viaje lírico a la infancia en el tramo central del filme (para mí el más destacable), de modo que presenciaremos las distintas etapas del crecimiento del joven Jack: cómo aprende a hablar y caminar, su relación con una madre idealizada y un padre duro y represivo (con un fuerte conflicto edípico), su vínculo con sus dos hermanos, sus primeros actos de rebeldía y transgresión... Todo esto es narrado de un modo poco habitual en el que los diálogos y narración secuencial dan paso a imágenes evocadoras, frases sueltas y enseñanzas que quedaron grabadas en la memoria de Jack.

De acuerdo con esta historia impresionista, en la dirección está muy presente el uso de la steadycam, con planos contrapicados que ensalzan a los personajes y los perfilan en distintos momentos de modo no lineal. Resalta especialmente la cuidada fotografía de Emmanuel Lubezki (quien ya colaboró con Malick en El Nuevo Mundo), con un retrato luminoso de los protagonistas y el mundo natural que los rodea; y en menor medida los efectos especiales supervisados por Douglas Trumbull (2001: Una odisea del espacio), que aunque consiguen imágenes impactantes terminan resultando un tanto cargantes.

En el reparto nos encontraremos con la actriz del momento, Jessica Chastain, que a pesar de sus pocas líneas de diálogo consigue dotar de una presencia embaucadora a su personaje; y con un fantástico Brad Pitt capaz de reflejar en su comportamiento la dureza y cariño con que su personaje trata a sus hijos. Les acompañan los correctos actores debutantes que interpretan a Jack y sus hermanos, y un desaprovechadísimo Sean Penn que apenas cuenta con metraje en pantalla y líneas de diálogo (el protagonista de Mystic River manifestó un desconcierto monumental al descubrir que sus semanas de trabajo con el director habían quedado reducidas a escasos minutos en pantalla).

Ahora bien, el principal inconveniente de esta película puede residir en los sentimientos encontrados que está produciendo: algunos la reciben con abundantes elogios, otros la odian al instante y aplauden aliviados al terminar su proyección; incluso hay quien se ve obligado a abandonar la sala ante el tedio que le produce. Probablemente, su ritmo lento, escenas cósmicas, banda sonora apabullante, carácter lírico y estilo impresionista sean a la vez sus rasgos más distintivos y elementos que consigan a la película más detractores; si bien considero que merece la pena dar una oportunidad a una propuesta tan curiosa, cuyo tratamiento de la historia familiar en el tramo central resulta muy interesante. Además, da la impresión de que la película que Malick prepara para 2012 puede complementar a El árbol de la vida (dedicada a la infancia) al centrarse en la crisis de una joven pareja.

Compleja, densa, de imágenes evocadoras y narrativa impresionista, El árbol de la vida hace gala del estilo personal de un cineasta tan atípico y peculiar como es Terrence Malick para contarnos una historia que algunos detestarán y con la que otros se sentirán identificados.

Comienzos de series

2011-09-24T21:10:00.000+02:00

Esta semana ha comenzado oficilamente la nueva temporada para la ficción televisiva y, ante el aluvión de series que se avecina entre estrenos y continuaciones, ¿qué mejor que un repaso a algunas de las cabeceras más emblemáticas?

The Pacific: Vale que sea una miniserie y ya haya terminado, pero el canal HBO ha convertido el crear cabeceras para series en todo un arte, como prueban las evocadoras imágenes de The Pacific, acompañadas por la música de Hans Zimmer.

Juego de Tronos: Todavía falta bastante para que regrese su segunda y costosa temporada, aun así, una de las muchas curiosidades de esta serie era cómo cada capítulo nos presentaba los escenarios en que se desarrollaría la acción en la cabecera.

The Office: Una de las mayores incógnitas es qué sucederá tras la marcha de Steve Carell de esta brillante comedia. ¿Estará a la altura? ¿Mantendrá en el ingenio de las anteriores temporadas? Esperemos que la intro siga siendo parecida.

Bored to Death: Después de una segunda temporada en la que aumentaban la diversión y el humor absurdo, Jonathan Ames ha prometido ponérselo más difícil a este peculiar grupo de amigos en la tercera temporada, que contará con la participación de Sarah Silverman, entre otras estrellas invitadas.

Boardwalk Empire: Como demuestra la cabecera, Nucky Thompson verá cómo desafían su imperio en Atlantic City en la segunda temporada. ¿Logrará salir airoso de la tempestad como hizo antes?

¿Cuáles son vuestras favoritas?

El relanzamiento de DC Cómics

2011-09-20T12:21:00.001+02:00

El universo en que se desarrollan las tramas y desenvuelven los personajes de DC Cómics resulta bastante complejo y confuso, en parte por la larga historia de la editorial, los cientos de personajes creados, y las innumerables aventuras que han vivido iconos como Superman, Batman, Wonder Woman, o Flash, a quienes les ha pasado prácticamente de todo.

La carga histórica dificulta a los guionistas la ya de por sí complicada tarea de respetar la continuidad y a la vez atraer a más lectores, obstáculo que los directivos de la editorial han intentado evitar con repetitivos eventos anuales que involucran a varias cabeceras y prometen que nada volverá a ser lo mismo para los superhéroes después de tales sagas (las famosas Crisis de DC). Acostumbrados a esta tendencia, a principios de 2011 la noticia del relanzamiento y reinicio del Universo DC sorprendió a los aficionados y lectores de cómics, quienes no tardaron en expresar su indignación y desconfianza ante esta situación.

Este mes de septiembre, DC iniciaba su ambiciosa maniobra editorial con la publicación de los números uno de sus 52 series regulares. De momento, sólo me he acercado a las colecciones protagonizadas por Batman y Superman. He aquí mis primeras impresiones:

Detective Comics #1

Detective Comics no borra de un plumazo la historia de Batman y vuelve a contarnos sus orígenes, sino que opta por "olvidarse" de lo ocurrido en los últimos años y nos presenta una versión rejuvenecida de Bruce Wayne, quien lleva poco más de un lustro ocultando su rostro bajo el manto del caballero oscuro. De esta forma, volvemos a encontrarnos con situaciones ya narradas, como por ejemplo que la policía de Gotham vea en Batman una amenza (sólo la versión rejuvenecida de Jim Gordon confía en él) o que Bruce demuestre cierta inexperiencia al enfrentarse a villanos como el Joker. El peso de la colección recae por completo en Tony Daniel, quien imita el estilo gráfico de Jim Lee y la narrativa de Frank Miller para la ocasión, si bien consigue despertar un mínimo de interés por la historia a pesar de las circunstancias editoriales mencionadas.

Action Comics #1

En cuanto a Action Comics, resulta vergonzoso lo que Grant Morrison ha hecho con Superman: el guionista escocés ha convertido al hombre de acero en el Spider-man de DC. Los lectores nos encontramos con un jovencísimo Clark Kent que acaba de iniciar su carrera como periodista y vive en un piso alquilado en Metrópolis. Por supuesto, no hace mucho que conoció a Lois Lane y Jimmy Olsen, pero lo más chocante del nuevo Clark es su faceta como Superman: viste unos vaqueros, una camiseta ajustada con el símbolo de la S, y una pequeña capa, y se transforma en el defensor de los inocentes y más desfavorecidos de Metrópolis, una especie de Robin Hood a quien la policía persigue a balazos y el Daily Planet critica sin piedad. Una pena que los dibujos de corte clásico de Rags Morales sean desaprovechados en semejante historia.

Por ahora, las ventas no van nada mal y fortalecen esta artimaña editorial. Es cierto que su competidora, Marvel, también abusa de eventos anuales que alteran el panorama un rato, pero por lo menos "sólo" reiniciaron la historia de Spider-man (que ya es bastante), dejando a un lado lo sucedido en la última década para centrarse en la vertiente juvenil y aventurera del personaje; maniobra editorial que en DC han decidido aplicar a todas sus colecciones, en detrimento de los lectores, como es habitual.

Falling Skies: Primera Temporada

2011-09-16T12:52:00.002+02:00

Los alienígenas han invadido la Tierra. Sin que los humanos se dieran cuenta, lanzaron un ataque con una tecnología superior sobre las principales ciudades del mundo, que fueron devastadas sin piedad. Seis meses después, los supervivientes se han organizado en varios grupos de milicias que plantan cara a los invasores extraterrestres, averiguando cada vez más sobre ellos para debilitarlos. A una de estas comunidades pertenece Tom Mason, profesor de historia que se ve forzado a convertirse en líder militar para buscar a su hijo Ben, capturado por los alienígenas.

Estrenada por el canal TNT a finales de junio, Falling Skies ha sido una de las series que han gozado de mayor publicidad viral, lo que se ha traducido en un rotundo éxito de audiencia que asegura su segunda temporada. Ficción de diez episodios, fue creada por Robert Rodat (guionista de Salvar al soldado Ryan), quien pidió ayuda a su amigo Steven Spielberg para desarrollar la serie y colaborar en las tareas de producción. Así, Falling Skies mezcla el panorama de La Guerra de los Mundos con la organización de un ejército de resistencia por parte de los humanos al estilo Terminator, añadiendo también fuertes reminiscencias de la Guerra de la Independencia estadounidense.

A lo largo de su primera temporada, conoceremos a los personajes y un poco de lo sucedido tras la invasión alienígena, siempre centrándonos en el núcleo de la resistencia que intenta reconquistar Boston, al cual pertenecen los protagonistas. Entre los aciertos de la serie están su ambientación, el contraste entre el protagonista y el capitán del regimiento al que pertenece, y todos los misterios relacionados con los extraterrestres en cuestión, que generarán más incógnitas por cada pregunta resuelta y es donde reside el verdadero potencial de la serie. Sin embargo, debido a su ritmo inconstante, efectos especiales muy ajustados, y los capítulos que dejan de lado la trama principal para centrarse en la relación de Tom con sus hijos; la serie pierde bastante fuerza, sobre todo si se compara su tono de corte sencillo y simplista con las violentas y elaboradas producciones de canales como HBO (Juego de Tronos) y AMC (The Walking Dead).

A la cabeza del reparto tenemos a Noah Wyle (Urgencias), actor que consigue transmitir fuerza a su personaje, un tipo corriente sumido en una situación extraordinaria. Le acompañan Will Patton (Armageddon) como su contrapartida, un militar testarudo; la correcta Moon Bloodgood (Terminator Salvation) con un papel que gana importancia por momentos, y el joven Drew Roy, quien ofrece una patética y cansina interpretación como el hijo del protagonista, una especie de adolescente engreído que siempre pone las mismas caras, al estilo del hijo de Tom Cruise en La Guerra de los Mundos.

En resumen, Falling Skies es una serie de desarrollo plano y sencillo, sin demasiada fuerza, que basa su potencial en el misterio que envuelve a los alienigenas, de quienes esperamos averiguar más en su segunda temporada, con estreno previsto dentro de un año.

Los Vengadores: Las Guerras Asgardianas

2011-09-12T18:19:00.001+02:00

Después de los devastadores sucesos de Asedio, los tres Vengadores principales se ven transportados a lo que queda de los Nueve Reinos, ahora sumidos en el caos y sometidos al poder de la diosa Hela. Ante esta situación, Steve Rogers, Thor, y Tony Stark deberán hacer frente a las diferencias que los han distanciado en los últimos años si quieren restaurar la paz y el orden.

Con la intención devolver a los principales héroes de Marvel a su estatus superheroico tras los macroeventos que habían cambiado el panorama editorial, la Edad Heroica ha presentado nuevas alineaciones de autores y personajes en las distintas colecciones vengadoras, entre las que sobresale la miniserie de cinco números Avengers Prime (conocida aquí como Las Guerras Asgardianas, buscando las inexistentes similitudes con la saga homónima de los mutantes). En ella, el guionista Brian Michael Bendis ha tenido la ocasión de desarrollar un argumento necesario para la coherencia del Universo Marvel: lograr la reconciliación de los tres pilares de Los Vengadores.

Con esta premisa, Bendis firma una colección breve y sumamente entretenida que supera con creces los alargados argumentos de los otros dos títulos que guioniza. En Las Guerras Asgardianas, los lectores encontraremos las dosis justas de humor, aventura, épica, y magia que necesitan Los Vengadores, a la vez que presenciaremos el reencuentro de tres grandes amigos de personalidades bien diferenciadas como son el Capitán América original, Iron Man, y Thor, quienes además se enfrentarán a otro punto clave en el panorama actual de Marvel: el caos imperante en los Nueve Reinos tras el asentamiento de Asgard en la Tierra.

Thor juega un papel fundamental en la saga

Esta historia no sería lo mismo sin los lápices de Alan Davis y las tintas de Mark Farmer, sin duda alguna el punto fuerte de la colección. Este tándem artístico demuestra estar en plena forma (por si a alguien le cabía la menor duda) y nos ofrecen unas páginas magníficas, dinámicas, en las que predomina el estilo clásico repleto de detalles que tanto les caracteriza.

Davis y Farmer en todo su esplendor

Ahora bien, Las Guerras Asgardianas posiblemente sea la única colección vengadora que verdaderamente merezca la pena dentro de la Edad Heroica (lo cual dice mucho de lo que supone este relanzamiento editorial), puesto que los otros dos títulos escritos por Bendis presentan un desarrollo lento de historias que bien podrían resolverse en un par de números (a lo que hay que sumar, en el caso de Los Vengadores, el descuidado apartado gráfico a cargo de John Romita Jr. y Klaus Janson), mientras que a Los Vengadores Secretos de Ed Brubaker les ha costado regresar al planteamiento inicial de grupo de operaciones encubiertas.

Hawai 5.0

2011-09-08T09:41:00.001+02:00

Nueva versión de la serie creada por Leonard Freeman en 1968, Hawai 5.0 se centra en los casos del cuerpo especial de policía dirigido por Steve McGarrett, antiguo oficial de la marina encargado de desmantelar las redes de crimen organizado que operan en Hawai mientras intenta reunir pistas acerca de las extrañas condiciones en que asesinaron a su padre.

Con este punto de partida, los guionistas y productores Roberto Orci y Alex Kurtzman (que trabajaron junto a J. J. Abrams en Misión Imposible III, Star Trek, y Fringe) desarrollan una serie de corte policíaco que pronto se sumerge de lleno en el terreno de la acción desenfrenada y el entretenimiento puro. En su primera temporada, este grupo de operaciones especiales no dudará en usar la fuerza y dejar de lado las órdenes judiciales para vérselas con la mafia filipina, traficantes de armas, tríadas, terroristas biológicos, crímenes pasionales, y hasta la yakuza; todo ello en un escenario tan alejado de las ciudades habituales en este tipo de series (Nueva York y Los Ángeles) como son las paradisíacas playas y junglas de Hawai, que ocultan más de lo que aparentan. Tampoco podían faltar las subtramas correspondientes al desarrollo de los personajes que articulen la serie, además de la relacionada con el misterio planteado en el primer episodio.

Llama la atención el acabado técnico de la serie, con una fotografía y una planificación de las secuencias de persecuciones y tiroteos más elaboradas que las de unas cuantas películas de acción actuales. Además, sorprende la caracterización de los cuatro protagonistas principales, interpretados por Alex O'Louglin (de la serie Moonlight) dando vida a Steve, un héroe de acción engreído que dispara primero y si acaso pregunta después; Daniel Dae Kim (Jin en Perdidos) como Chin, un policía honrado acusado de aceptar sobornos; Grace Park (Galáctica) en la piel de Kono, policía recién salida de la academia dispuesta a labrarse una reputación; y por Scott Caan (hijo de James Caan), quien puede presumir de tener el papel más divertido de la serie al dar vida a Danny Williams, un antiguo policía de Nueva Jersey bastante socarrón que aporta el contrapunto cómico a Steve y recuerda a John McClane en más de una ocasión.

Gracias a los buenos resultados obtenidos, Hawai 5.0 contará con una nueva temporada en la que los personajes lo tendrán bastante complicado tras el final de la primera. Eso sí, la acción y el entretenimiento están garantizados.

Los Muertos Vivientes 13 & 14

2011-09-02T17:00:00.000+02:00

*Este post puede revelar detalles del argumento.

Después del cambio de rumbo sucedido en el volumen anterior, nos encontramos con nuestros personajes justo donde los dejamos, en la casi utópica comuna a las afueras de Washington, un refugio demasiado bueno para ser cierto... o al menos eso le parece a Rick.

Precisamente es en él en quien se centran los guiones de Robert Kirkman a lo largo de los doce números que componen estos dos tomos, de modo que los lectores seremos testigos de cómo los horrores presenciados hasta la fecha han pasado factura al protagonista, un sencillo policía del estado de Georgia que se vio forzado a liderar un grupo de supervivientes si quería proteger a su familia, de lo cual ni siquiera fue capaz. Semejantes sucesos han transformado al personaje a lo largo de la colección, llevándole a tomar decisiones controvertidas y nublando su juicio, lo cual explica su desconfianza ante la comunidad de Washington y sus impulsivas reacciones frente a una nueva situación de peligro que, una vez más, terminará en tragedia.

Aunque queden emsombrecidos por Rick, los demás personajes principales también hacen acto de presencia y se comportan de acuerdo con lo acontecido, por lo que podemos descubrir qué sucede con Michonne, Carl, Glenn, Maggie, Andrea, o Abraham en los nuevos conflictos que se les plantean.

En el apartado gráfico, Charlie Adlard y Cliff Rathburn demuestran que la colección no recibiría tantos elogios sin sus lápices, tintas, y tonos grises. Su trabajo consigue dotar al cómic de un acabado especial, con personajes expresivos y una narrativa clara y fluida que ya son características tan esenciales en Los Muertos Vivientes como los propios zombis o los crueles giros argumentales.

Eso sí, lo único que no me ha convencido ha sido el desenlace, que plantea una situación de difícil solución y deja entrever una posible conclusión para la serie, ¿quizás según nos aproximemos al número 100?

De momento, Los Muertos Vivientes continúa siendo un cómic que merece la pena seguir por cómo atrapa a los lectores con cada nueva entrega, nos hace sufrir con los personajes, y nos deja con la esperanza de que el próximo volumen no tarde mucho en ser publicado, y de que, tal vez, a Rick y los suyos les vaya mejor en él.

El debut de Jeff Bridges

2011-08-30T14:33:00.004+02:00

Desde hace mucho tiempo, el actor Jeff Bridges ha sido un fan incondicional de la música country, pero no fue hasta su papel en la película Crazy Heart cuando tuvo la ocasión de tocar y cantar en pantalla. Gracias a los elogios que su actuación recibió (incluso ganó un merecido Oscar al mejor actor), Bridges obtuvo el apoyo que necesitaba y se reunió con un grupo de buenos amigos para grabar su primer disco de estudio, titulado simplemente Jeff Bridges.

De este modo, El gran Lebowski nos sorprende con diez canciones de country lento, un tanto alejadas del estilo de Crazy Heart, en las que predominan un tono melancólico y sentimientos sinceros a los que Bridges da voz y ritmo. Os invito a que deis una oportunidad al álbum de este magnífico actor y músico (quien esperemos que no tarde en volver a las pantallas) y os dejo con una de sus canciones, el single What a Little Bit of Love Can Do.

Cuenta Conmigo: 25º Aniversario

2011-08-25T15:49:00.003+02:00

Aprovechando el reciente estreno de Super 8, es el momento ideal para rescatar una de las películas a las que el filme de J. J. Abrams homenajea por lo mucho que le debe: se trata de Cuenta Conmigo (Stand by Me), que acaba de cumplir 25 años.

Basada en la novela breve de Stephen King titulada The Body, Cuenta Conmigo fue dirigida por el también actor y guionista Rob Reiner (La princesa prometida) en 1986. A modo de retrospectiva, el protagonista, Gordie Lachance, nos narra sus recuerdos de la infancia, cómo pasaba los veranos de la década de 1950 en un pequeño pueblo del Medio Oeste estadounidende, lugar en el que vivía innumerables aventuras con sus tres mejores amigos. Pero Cuenta Conmigo va más allá de la diversión y las andanzas de sus protagonistas, lo que la convierte en una versión madura de Los Goonies que plantea interesantes reflexiones acerca de los amigos de la infancia, aquellos que terminan perdiéndose sin que podamos encontrar otros iguales; y también de las presiones que ejercen la familia y el entorno sobre unos jóvenes que apenas empiezan a descubrir el mundo que les rodea.

Además de por la complejidad de su historia, Cuenta Conmigo nos sorprende por su cautivadora ambientación y paisajes ideales para la aventura, a los que se suma una inmejorable banda sonora compuesta por éxitos de la década de los 50 como Mr. Lee, Lollipop, Come Go with Me, o Everyday. Entre las curiosidades que rodean a la película, merece la pena destacar la presencia de actores como Will Wheaton (ahora con cameos en The Big Bang Theory), Corey Feldman (Bocazas en Los Goonies), River Phoenix, o los hoy famosos Kiefer Sutherland y John Cusack.

Gracias a su sentido de la aventura y profundo trasfondo, Cuenta Conmigo se ha convertido en un referente para muchos, como por ejemplo prueban el capítulo dedicado a ella en Los Simpson o los homenajes en la citada Super 8. Para terminar, ¿qué mejor que una de las muchas escenas emblemáticas de la película?

Super 8: Homenaje a la infancia

2011-08-20T22:09:00.002+02:00

Después de un duro invierno, Joe Lamb ansía con ganas pasar el verano de 1979 rodando con sus amigos una película en el pequeño pueblo de Lillian, Ohio. Junto a las dificultades técnicas que presenta el rodaje, Joe intentará arreglar su complicada relación con su padre, entablar amistad con Alice, la chica de sus sueños, y también descubrir quién o qué amenaza el pueblo tras el atípico accidente de un tren que transportaba mercancías de las fuerzas aéreas.

Tras contribuir a la actual revolución de la ficción televisiva con series como Alias o Perdidos, J. J. Abrams tuvo la oportunidad de debutar como director cinematográfico y revitalizar una saga en decadencia con la entretenida Misión Imposible 3. En 2009, Abrams consiguió el reconocimiento de público y crítica por la frescura que supo transmitir a la nueva entrega de Star Trek, llamando la atención de Steven Spielberg y consiguiendo la oportunidad de trabajar en un proyecto más personal.

Dos meses después de su estreno en Estados Unidos llega a nuestras carteleras Super 8, filme escrito y dirigido por el creador de Fringe que supone a un sentido homenaje a un tipo de cine que, desafortunadamente, ha pasado de moda: el de las películas familiares y juveniles de aventuras, subgénero en el que fue pionero el propio Spielberg y que gozó de una enorme popularidad en la década de 1980, inspirando a multitud de espectadores en todo el mundo. De este modo, en Super 8 encontraremos constantes guiños a las películas del director de Tiburón, como E.T., Indiana Jones, o Parque Jurásico, así como a otros títulos protagonizados por pandillas de amigos tan emblemáticas como las de Los Goonies y Cuenta Conmigo (de las cuales Abrams incorpora varios clichés en su película), y también habrá lugar para referencias a George A. Romero, Halloween, y Star Wars.

Alice y Joe

Además del homenaje a un estilo de cine, Super 8 tiene personalidad propia. J. J. Abrams combina sus influencias con un firme pulso narrativo, más pausado que el de sus dos anteriores películas, y un efectivo tratamiento del drama que viven los protagonistas, a los que hay que sumar la cuidada fotografía (en la que siguen presentes los destellos que caracterizan al director), los efectos especiales de los estudios Industrial Light & Magic, el divertido ejercicio de metacine presente en la película, y el sentido del misterio y la intriga, heredero de la serie Perdidos y Monstruoso, otra porducción de Abrams y Bryan Burke. Aparte del mencionado Burke, Abrams cuenta de nuevo con otro viejo conocido: el compositor Michael Giacchino, responsable de una banda sonora totalmente integrada en la película que mezcla toques de Perdidos con el tono propio de algunas partituras del maestro John Williams.

Valor añadido

En el reparto, sorprende la naturalidad conseguida por los jóvenes protagonistas, capaces de hacer creer a los espectadores que han sido amigos en la misma pandilla desde siempre. Entre ellos destacan Joel Courtney y Elle Fanning (quien toma el relevo de su hermana Dakota como niña prodigio), más que eficaces a la hora de transmitir las emociones que sienten sus personajes. Les acompañan, en roles secundarios, unos correctos Kyle Chandler (King Kong, Friday Night Lights), Ron Eldard (Black Hawk Derribado) y Noah Emmerich (The Walking Dead). En cuanto a este último, merece la pena mencionar que da vida al villano de la función, un despiadado general alejado de los militares hiperpatrióticos de las "películas" de Michael Bay.

Sin duda alguna, J. J. Abrams ha logrado consolidar su carrera cinematográfica como director con Super 8, una película emotiva y sumamente entretenida que da las gracias a aquellas cintas de aventuras con las que muchos crecimos, a la vez que nos presenta una aventura misteriosa y llena de amistad en la que sumergirnos.

El Origen del Planeta de los Simios

2011-08-15T18:56:00.001+02:00

En un futuro cercano, el joven y prometedor científico Will Rodman trabaja en una posible cura para enfermedades neurodegenerativas que puede hacer millonarios a los laboratorios que subvencionan su investigación. Antes de probar la cura en humanos, Will debe experimentar con simios, pero los problemas surgen cuando observa cómo el chimpancé llamado César muestra un desarrollo cognitivo inusual para su especie, incluso comparable al de los humanos.

En busca de una franquicia que explotar para obtener sustanciosos beneficios en taquilla, los estudios de 20^th Century Fox decidieron recurrir al clásico de 1968 protagonizado por Charlton Heston, El Planeta de los Simios, y dar una vuelta de tuerca a lo planteado en esta película tras las desastrosas secuelas con que contó y el remake dirigido por Tim Burton en 2001, el cual no logró convencer a los espectadores y fue duramente criticado. Así, se puso en marcha una campaña viral para promocionar la película que narraría cómo los simios se rebelaron contra los humanos y tomaron la Tierra, propuesta que fue recibida con fuerte rechazo y escepticismo por muchos (entre los que me incluyo), ya que resulta totalmente absurdo mostrar el origen del citado planeta cuando uno de los mayores encantos de la película original era el misterio generado en torno a qué podía haber sucedido para que los simios se hicieran con el poder, incógnita para la que surgían todo tipo de posibles respuestas, muchas de ellas relacionadas con el darwinismo.

Sin embargo, tras su estreno el pasado 5 de agosto, El Origen del Planeta de los Simios sorprendió y fascinó por igual a público y crítica, convirtiéndose en uno de los taquillazos y sorpresas del verano (en parte debido a que nadie esperaba nada de ella, dada su propuesta). Aunque no comparto el furor que ha desatado, El Origen del Planeta de los Simios me ha parecido una película bastante entretenida, con una historia sencilla propia de un blockbuster veraniego que funciona en pantalla gracias a una correcta dirección alejada de la estruendosa escuela de Michael Bay, y a una vistosa puesta en escena, todo ello acompañado por una leve y repetitiva crítica de lo crueles que son los seres humanos con otros animales y de cómo jugar a ser dioses con ellos puede volverse en su contra.

Los encargados del guión son Rick Jaffa y Amanda Silver, a quienes ahora les llueven los encargos y que consiguen imprimir un tono ameno a los poco más de 90 minutos de película centrados en la represión que sufre César, el chimpancé superinteligente, y cómo su sed de venganza hacia los humanos que lo torturaron se convertirá en el detonante de la revuelta de los simios, revolución cogida con pinzas que no encaja mucho con lo visto en la película original, aunque dado su éxito ya tendrán tiempo en las secuelas de aclarar lo sucedido (o no). El director es el semidesconocido Rupert Wyatt, autor de cortometrajes que debutó con la película El Escapista y que con El Origen del Planeta de los Simios se pasa al cine comercial. Sorprende el uso que hace de los elaborados efectos especiales de Weta Digital (compañía de Peter Jackson), empleados para dotar de vida y realismo a los simios y no para abrumar al espectador con explosiones atronadoras.

La presencia del reparto es meramente anecdótica (como sucede con la banda sonora de Patrick Doyle, casi imperceptible), pues nos encontramos con el potencial de James Franco (127 Horas) desaprovechado, a Freida Pinto (Slumdog Millionaire) relegada a mujer florero con apenas líneas de diálogo, el cameo de Brian Cox, y a Tom Felton haciendo de Draco Malfoy una vez más. Eso sí, también aparecen en pantalla un correcto John Lithgow y la estrella de la función, Andy Serkis, un experto en dar vida a criaturas digitales que de nuevo realiza un gran trabajo a pesar de ocultar su rostro bajo los efectos especiales, esta vez como el protagonista, César.

Dado su inesperado éxito, el director ya ha confirmado la puesta de marcha de una secuela que continuará narrando la lucha entre simios y humanos por el control de la Tierra. De momento, El Origen del Planeta de los Simios refresca la cartelera del verano con una historia sencilla pero entretenida, y unos efectos especiales que dan un paso más en la recreación de criaturas digitales tras Gollum, King Kong y los Na'vi de Avatar.

Capitán América: El Primer Vengador

2011-08-09T22:56:00.003+02:00

En las calles de Nueva York, el joven y delgaducho Steve Rogers observa cómo le deniegan una y otra vez alistarse en el ejército estadounidense para poder combatir contra las fuerzas del Eje en la Europa de la Segunda Guerra Mundial. Gracias a su perseverancia y buena voluntad, Rogers obtiene la oportunidad de participar en el revolucionario "proyecto supersoldado", lo cual le convertirá en el Capitán América, un símbolo de la libertad que se enfrentará a los delirios de grandeza de Cráneo Rojo, líder de la peligrosa organización paramilitar conocida como Hydra.

Llega la tercera película de 2011 basada en un cómic de Marvel, en este caso dedicado a todo un icono de la editorial por su historia y la trascendencia de las viñetas que ha protagonizado, muchas de las cuales han reflejado el clima político de la época correspondiente a su publicación. En el caso de Capitán América: El Primer Vengador, los espectadores encontraremos una película marcada por los patrones que han caracterizado los estrenos de Marvel desde Iron Man: un acercamiento a la esencia del personaje en el que priman la aventura, el entretenimiento y pequeños golpes de humor. Así, en Capitán América encontraremos al personaje de los cómics originales creados hace setenta años por Joe Simon y Jack Kirby, un neoyorkino bonachón y un tanto inocente que se convertirá en el símbolo de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial (por el contrario, la película se aleja de la etapa actual del personaje, centrada en juegos de espionaje y conspiraciones por el poder).

Los Comandos Aulladores al completo

Además, Capitán América sirve de prólogo al gran proyecto que Marvel Studios lleva años desarrollando con sumo cuidado: El desembarco de Los Vengadores en la gran pantalla, que según lo previsto sucederá a mediados de 2012. De esta forma, en Capitán América aparecen menciones a Asgard, el cubo cósmico, e Industrias Stark que ayudan a entretejer las redes del Universo Marvel cinematográfico. A esto hay que sumar los guiños incluidos a los cómics, como la aparición de la Antorcha Humana original, el escudo y traje iniciales del Capitán, el cameo de Stan Lee, la presencia de los Comandos Aulladores o lo sucedido con Bucky Barnes.

Ahora bien, como película, Capitán América ofrece entretenimiento con altas dosis de pirotecnia. Con la excepción del protagonista, no hallaremos desarrollo de personajes ni una exploración de las motivaciones del villano. En su lugar, el filme relata los orígenes del superhéroe para dar paso a una rápida sucesión de batallas y efectos digitales, con un incremento del ritmo no muy acertado en el tramo final, justo cuando se convierte en Capitán América (similar a lo que sucedía en la segunda mitad de Thor). Más que culpar a los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeele (responsables de la saga Las Crónicas de Narnia), deberíamos buscar las causas del acabado final de la película en el papel de su director, Joe Johnston (Parque Jurásico 3, Océanos de Fuego), cineasta de carrera un tanto irregular que no consigue transmitir mucha fuerza a la película y los personajes, valiéndose de escenas a cámara lenta en las secuencias de acción y de un diseño de producción demasiado estrafalario en lo que a los villanos de Hydra se refiere (a Johnston le ocurre lo contrario que a Kenneth Branagh, quien sí logró imprimir su sello personal en la trama y actores de Thor).

El verdadero rostro de Johann Schmidt

Para dar ritmo a la película tenemos la banda sonora de Alan Silvestri, una composición de tintes militares y aventureros alejada de su mítica sintonía de Regreso al Futuro; y en el reparto encontraremos un rostro familiar en las adaptaciones de cómics: El de Chris Evans, quien ya ha participado en Los 4 Fantásticos, Scott Pilgrim vs. the World, y Los Perdedores y ahora da vida a Steve Rogers antes y después de tomar el suero del supersoldado. Le acompañan, en papeles poco desarrollados, Hayley Atwell (Los pilares de la Tierra), el gran Hugo Weaving (especializado en villanos desde Matrix), Neal McDonough (Hermanos de Sangre), Toby Jones (La Niebla), Stanley Tucci (The Lovely Bones), y los archiconocidos Tommy Lee Jones y Samuel L. Jackson.

Peggy Carter

Como curiosidad, creí haber encontrado pequeños homenajes a las películas Días de Radio (con la aparición del niño pelirrojo en los muelles de Brooklyn), Indiana Jones y la última cruzada (por la persecución en moto a través del bosque), y Men in Black (cuando el personaje de Tommy Lee Jones pulsa cierto botón rojo en un automóvil).

El Capi se enfrenta al horrendo vestuario de Hydra

Capitán América prepara el camino de Los Vengadores, cuenta una de las historias más simbólicias del Universo Marvel como son las circunstancias que rodean los comienzos de Steve Rogers, y entretiene a pesar de sus baches técnicos. Por el momento ha logrado agradar a los seguidores del personaje, y si el éxito en taquilla acompaña puede que surja la posibilidad de una secuela. ¿Alguien ha mencionado al Soldado de Invierno?

Cowboys & Aliens

2011-08-03T09:46:00.001+02:00

En 1873, un objeto volador no identificado se estrella en Arizona. De él emerge Rado Dar, conquistador alienígena que ha esclavizado a varias razas extraterrestres y ahora quiere hacer lo mismo con el lugar donde ha aterrizado, a menos que el intrépido vaquero Zeke Jackson y su socia Verity se lo impidan. Sin embargo, para ello deberán aliarse con sus antiguos enemigos, los apaches que habitaban la región, a quienes los colonos arrebataron sus tierras.

Publicado a modo de novela gráfica por la editorial Platinum Studios en 2006, Cowboys & Aliens es un cómic creado por Scott Mitchell Rosenberg (presidente de la mencionada editorial) con una propuesta atípica y bastante curiosa: ¿Qué pasaría si los colonos del viejo Oeste americano se enfrentasen a una invasión de alienígenas que los superan en armamento y tecnología?

La labor de desarrollar esta premisa argumental cayó en las manos de los guionistas Fred Van Lente y Andrew Foley, quienes nos cuentan una historia sumamente sencilla a la vez que amena y divertida. La trama no podría ser más esquemática: los alienígenas siembran el caos y la destrucción en el Oeste, así que un grupo de colonos e indios apaches se proponen detener la invasión y defender sus tierras. No hay desarrollo de los personajes y sus motivaciones, ni golpes de giro que demuestren que nada es lo que parece; sino que el cómic va directo al grano para contarnos la acción y escaramuzas de los vaqueros a toda velocidad. Por suerte, esto no impide que Cowboys & Aliens no entretenga, ya que su sencillez permite a los lectores encontrar disparatadas aventuras, guiños al western y puede que hasta les invite a reflexionar acerca de por qué el "destino manifiesto" empuja a ciertas civilizaciones a conquistar las tierras de otros.

Del apartado gráfico se encargan Dennis Calero en el prólogo y Luciano Lima en la novela gráfica. Este último muestra una narración fluida, con un estilo poco detallista pero efectivo, sobre todo a la hora de ilustrar las batallas y representar el arsenal alienígena. Eso sí, los dos plasman con éxito la atmósfera polvorienta del Oeste, pueblos-calle y valles deséticos incluidos.

Por extraña que parezca la propuesta de Cowboys & Aliens, en la sencillez de sus páginas podremos encontrar una historia de aventuras agradable, extraña y sobre todo muy curiosa, tanto como pueda resultar mezclar el género del viejo Oeste con las invasiones alienígenas y la ciencia ficción. Desenfundad el revólver, aunque esta vez no os servirá de mucho.

Paul: Pegg & Frost contraatacan

2011-07-29T19:29:00.002+02:00

Clive y Graeme, dos grandes amigos que aspiran a convertirse en autores de ciencia-ficción, realizan el viaje de sus sueños cuando asisten a la Comic-Con de San Diego y acto seguido visitan distintos lugares de Estados Unidos emblemáticos en el terreno de la ufulogía, como el Área 51 o The Black Mailbox. Lo que en absoluto esperaban es que conocieran a un verdadero alienígena de nombre Paul y que se vieran obligados a ayudarle a regresar a casa mientras los hombres de negro les pisan los talones.

Después del enorme éxito de Shaun of the Dead (2004) y Hot Fuzz (2007), que homenajeaban al género de los muertos vivientes y al policíaco, respectivamente; el dúo formado por Simon Pegg y Nick Frost se reúne de nuevo para protagonizar y escribir Paul, película que hace lo propio con la ciencia-ficción. Resulta curioso que para la ocasión se hayan juntado representantes de las denominadas "Nueva comedia británica" (a la que pertenecen Ricky Gervais, Edgar Wright y los mencionados Pegg y Frost, entre otros) y "Nueva comedia americana" (de la que forman parte el omnipresente Judd Apatow, Leslie Mann y Seth Rogen), dando como resultado una interesante mezcla de estilos en la que, por fortuna, predomina el sello de los dos británicos. Tras la cámara se encuentra Greg Mottola, responsable de Superbad y Adventureland, quien hace justicia al guión de Pegg y Frost y ofrece a los espectadores una divertida película que mezcla comedia de situación con ácidas ironías y un buen ritmo, si bien se echan en falta el montaje frenético, la sangre y los Cornettos de los títulos dirigidos por Edgar Wright (quien no pudo colaborar aquí debido a su trabajo en Scott Pilgrim vs. the World).

Camino a la Comic-Con

Uno de los puntos fuertes de Paul es la cantidad de homenajes, guiños y referencias a emblemáticas películas de ciencia-ficción, lo cual demuestra el respeto que sienten hacia ellas y la influencia que han supuesto para los dos guionistas. Así, más de una sonrisa de complicidad se dibujará en los rostros de los espectadores en cuanto detectemos alusiones a Alien, Depredador, Star Wars, Star Trek, Men in Black, Expediente X, y buena parte de la filmografía de Steven Spielberg (quien se reserva una sorpresa en Paul), como E.T., Encuentros en la Tercera Fase, e Indiana Jones.

El reparto está formado por cómicos de todo tipo, desde Kristen Wiig y Bill Hader (provenientes del programa Saturday Night Live) al conocido actor Jason Bateman, incluyendo al habitualmente cansino Seth Rogen, que no desentona demasiado prestando su voz, movimientos y humor escatológico al alienígena Paul. Destacan los cameos de Jeffrey Tambor (padre de Alan en The Hangover), John Carroll Lynch (el barbero de Gran Torino), Jane Lynch (Sue Sylvester en Glee), Blythe Danner (la esposa de Robert De Niro en la saga Los padres de ella), y Sigourney Weaver; y, cómo no, Simon Pegg y Nick Frost se sienten muy cómodos en los papeles protagonistas a la vez que reflejan a la perfección la inmensa amistad que los une tanto dentro como fuera de la pantalla.

Aunque falte Edgar Wright y sobre Seth Rogen, Paul resulta una comedia divertida y recomendable (especialmente en versión original, por el contraste entre la pareja británica y el terreno americano) que gustará por igual a los amantes de la ciencia-ficción y a quienes quedaron sorprendidos por el talento del dúo Pegg-Frost.

¡Conviértase en superhéroe!

2011-07-26T18:06:00.005+02:00

Por contradictorio que parezca, para ser un superhéroe no se necesitan poderes o habilidades especiales, tan sólo hace falta una voluntad férrea en la dura lucha contra el crimen... o no. Cómics como The Spirit, Batman y Watchmen han explorado las implicaciones que podría tener convertirse en justiciero enmascarado para un humano corriente, sin accidente radiactivo ni anillo alienígena de por medio.

Como era de esperar en el actual boom de adaptaciones de cómics superheroicos, este tipo de historias no tardaron en llegar a la gran pantalla. Éste es el caso de Kick-Ass, reciente cómic de Mark Millar y John Romita Jr. que narra cómo un joven estudiante decide emular a Spider-man y luchar contra los delincuentes, y que en 2010 fue llevado al cine por el director Matthew Vaughn en una disparatada y divertida película. Algo parecido ha ocurrido con dos títulos de temática similar pero de escasa distribución: Super (2010) y Defendor (2009).

El primero de ellos, Super, nos presenta a Frank, un apacible buen ciudadano de pasado traumático que ve cómo su vida se desmorona cuando su esposa se fuga con un conocido traficante local. Ante esta situación, Frank opta por convertirse en Crimson Bolt, el nuevo justiciero callejero que pondrá en orden el vecindario y rescatará a su mujer, cueste lo que cueste. Escrita y dirigida por James Gunn (guionista de Amanecer de los muertos), Super mezcla sin éxito comedia de situación con una parodia de los superhéroes, pero desafortunadamente las escenas ingeniosas son escasas y muy pronto dan paso a una sucesión de violencia gore, bromas subidas de tono, y revelaciones "divinas" que entorpecen el desarrollo de la historia y las interpretaciones de los actores. Del reparto destaca Rainn Wilson (Dwight en The Office) como el introvertido y torturado protagonista, a quien acompañan una histriónica y sobreactuada Ellen Page y las breves apariciones de Liv Tyler, Kevin Bacon (interpretando una vez más al villano), y el gran Nathan Fillion.

Aunque a primera vista comparta premisa argumental con Super, Defendor abandona en seguida los toques de comedia para adentrarse en el drama que vive el protagonista, Arthur Poppington, un inadaptado que se fabrica su propio disfraz y lucha contra el tráfico de drogas en su ciudad con la intención de proteger a los inocentes. Escrita y dirigda por el actor canadiense Peter Stebbings, a Defendor le cuesta arrancar y funcionar en su conjunto como película, si bien consigue dejar a los espectadores con alguna escena divertida, otras de cierta carga dramática y un logrado final que denuncia la corrupción y decadencia presente en el mundo urbano a la vez que homenajea la labor de los héroes anónimos. Encabezan el reparto el siempre interesante Woody Harrelson (en un papel alejado de su Tallahassee en Zombieland) y una sosa Kat Dennings (la estudiante de Jane Foster en Thor), y les acompañan en pequeños papeles Elias Koteas (El curioso caso de Benjamin Button), Sandra Oh (Entre copas) y el formidable secundario Michael Kelly (Destino Oculto).

Parece que grandes superhéroes como Iron Man, Thor, o Green Lantern también inspiran a los justicieros urbanos a dar el salto al cine. ¿Quién será el próximo?

Harry Potter y las reliquias de la muerte: El final de la saga

2011-07-21T21:03:00.003+02:00

Después de los trágicos sucesos ocurridos en Hogwarts al final del sexto curso, Harry, Ron, y Hermione deciden no volver a la escuela de magia y hechicería en su séptimo año. En su lugar emprenden un viaje por todo el Reino Unido buscando los Horrocruxes, objetos en los que Lord Voldemort ocultó parte de su alma para hacerse inmortal. Mientras tanto, las fuerzas del Señor Tenebroso aumentan su poder y control en el Ministerio de Magia, preparándose para atacar a los últimos miembros de la resistencia fieles a Albus Dumbledore y Harry Potter.

A pesar de su innegable éxito en taquilla, las adaptaciones de las novelas de Harry Potter al cine no siempre han agradado por completo a los seguidores de las aventuras del joven aprendiz de mago. Tras dos entregas iniciales de corte familiar dirigidas por Chris Columbus y una tercera parte más oscura obra de Alfonso Cuarón, la franquicia cayó en manos de los directores Mike Newell y definitivamente de David Yates, quien mantuvo el tono oscuro pero hizo que la saga perdiera fuerza a nivel argumental, tocando fondo con Harry Potter y el misterio del príncipe, sexta entrega que dejaba a un lado la trama principal para centrarse en una insulsa comedia romántica de adolescentes, asemejándose por momentos a la horrenda Crepúsculo (no es coincidencia que su primera parte acabara de estrenarse con un éxito más que notable).

Con la intención de recaudar lo máximo posible y narrar con todo detalle el fin de la batalla contra las fuerzas de Lord Voldemort, la última entrega, Harry Potter y las reliquias de la muerte, se dividió en dos partes de dos horas y diez minutos de duración. La primera de ellas, estrenada a finales de 2010, no se anda con rodeos y nos presenta a los tres protagonistas huyendo de sus enemigos, cada vez más numerosos, y buscando la manera de acabar con Quien-no-debe-ser-nombrado al mismo tiempo surgen dificultades entre ellos.

Estrenada el 15 de julio, la segunda parte retoma la historia justo donde se quedó y conduce a los espectadores hacia la batalla final a un ritmo trepidante. Intensifica todavía más la atmósfera oscura presente en anteriores entregas, retoma escenarios familiares y alterna escenas de acción y pirotecnia con conversaciones en las que se revelan detalles fundamentales para la trama. Sin embargo, los personajes secundarios apenas hacen acto de presencia, por lo que quedan unos cuantos cabos sueltos; además de que la rápida sucesión de escenas provoca que algunas pierdan el toque épico o emotivo necesario. Aun así, el guionista Steve Kloves y el director David Yates (quien imita los barridos aéreos del gran Peter Jackson para narrar las batallas) ofrecen una adaptación bastante fiel al libro, una película muy entretenida y un digno final para la saga cinematográfica.

Destaca la dirección artística, con los escenarios habituales ahora en ruinas, mientras que la banda sonora del compositor en alza Alexandre Desplat cumple y refleja el tono de cada secuencia, además de que por fin se dignan en recuperar las ya míticas composiciones del maestro John Williams, las cuales parecían haber olvidado en entregas anteriores. Respecto al reparto, del trío protagonista destaca especialmente Daniel Radcliffe, quien interpreta con convicción a Harry en sus momentos más difíciles, cuando deberá enfrentarse a su némesis y demonios interiores él sólo. Le acompañan los convincentes Rupert Grint (Ron) y Emma Watson (Hermione), junto a una serie de personajes secundarios que hacen un mero acto de presencia y apenas dan la oportunidad de lucirse a los grandes actores británicos que los interpretan: Michael Gambon (Dumbledore), Maggie Smith (McGonagall), Alan Rickman (Snape), Warwick Davis (Griphook), John Hurt (Ollivander), Emma Thompson (Trelawney), Jason Isaacs (Lucius Malfoy), Helena Bonham-Carter (Bellatrix Lestrange), David Thewlis (Lupin), Gary Oldman (Sirius Black), Timothy Spall (Colagusano), y hasta aparece Kelly MacDonald (Helena Ravenclaw). Eso sí, quien sigue sin convencerme es Ralph Fiennes como Voldemort, pues, a pesar del elaborado maquillaje y de su voz sibilante, creo que no consigue aportar al villano la presencia que el Señor de las Tinieblas necesitaría.

Como sucediera con las novelas, llegó la hora de despedirse de la saga cinematográfica de Harry Potter tras diez años en los que hemos podido disfrutar de sus exitosas entregas, adentrándonos en un mundo mágico en el que casi todo era posible. La segunda parte de Harry Potter y las reliquias de la muerte nos invita de nuevo a acompañar a los tres jóvenes magos en su lucha contra el mal, resultando una película sumamente entretenida y un digno final para unos personajes que nos acompañarán mucho tiempo.

American Gods, de Neil Gaiman

2011-07-17T16:47:00.001+02:00

Después de pasar tres años entre rejas, Sombra sale de la cárcel para descubrir que el mundo que conocía ha desaparecido. Justo entonces encuentra a Wednesday, un anciano barbudo que lo contrata como hombre de confianza en su gira por los rincones olvidados de Estados Unidos. En sus viajes, Sombra averiguará que los antiguos dioses nórdicos, celtas, egipcios e indios vinieron a América cuando aquellos que los veneraban emigraron, y que ahora han entrado en conflicto con las nuevas deidades surgidas de las tecnologías de la información. La guerra se aproxima, y Sombra deberá decidir en qué bando se posiciona.

Publicada hace diez años, American Gods es la cuarta novela de Neil Gaiman, que consiguió entrar en la lista de los libros más vendidos de The New York Times y ganó numerosos galardones, entre ellos los premios Nébula y Hugo de ciencia ficción, reportando enormes beneficios a su autor y permitiéndole cultivar el género en el que ha seguido escribiendo hasta la actualidad.

A pesar del éxito que la precedía, American Gods no me ha convencido lo más mínimo. Para empezar, la novela se construye en torno a un personaje poco (o nada) atractivo, el impasible Sombra, que no tiene ninguna peculiaridad más allá de hacer trucos con monedas y que en ningún momento toma una decisión o sale airoso de un conflicto gracias a su determinación. Este misterioso protagonista se ve envuelto en una trama que no arranca en ningún momento y que implica a las deidades de mitologías como la nórdica, la egipcia, la eslava o la norteamericana; dioses que apenas hacen acto de presencia y huyen de la brillantez con que el escritor británico ha utilizado el folclore en otros trabajos. Gaiman emplea, sin éxito, técnicas narrativas propias de escritores superventas como Stephen King o Ken Follet, por lo que no encuentra su propia voz y da lugar a una narración bastante pobre y vacía, sobre todo porque la crítica que plantea al consumismo y la inmediatez de los medios de comunicación actuales no pasa de ser un mero esbozo que deja paso a situaciones ridículas de las que el protagonista sale airoso gracias a soluciones mágicas de última hora, es decir, deus ex machina al poder.

Ni siquiera el final previsible, absurdo y anticlimático de la novela consigue despertar el interés de los lectores, quienes lo tendrán bien difícil a la hora de emocionarse y zambullirse en el universo a medio construir que propone este libro. En definitiva, American Gods resulta una novela pobre, aburrida, repetitiva en las situaciones que plantea y alejada de otros sensacionales trabajos de Neil Gaiman como las más que recomendables Coraline y El libro del cementerio.

*Recientemente, el canal HBO manifestó su interés en realizar una serie de televisión inspirada en la novela. Espero que se centre en explorar y desarrollar las posibilidades del mundo de American Gods y no tanto en su irrisorio argumento.

Cars 2: Alto Espionaje

2011-07-14T20:59:00.004+02:00

Después de ganar varias ediciones consecutivas de la Copa Pistón, Rayo McQueen regresa a Radiator Springs para encontrarse con sus amigos y un nuevo desafío: competir en el Grand Prix Mundial y demostrar la eficacia del biocombustible Allinol. Mientras recorre espectaculares paisajes en el torneo, su amigo Mate se ve envuelto en una trama de espionaje internacional que a primera vista le viene demasiado grande. Por suerte, con la inestimable ayuda del espía británico Finn McMissile conseguirá desentrañar la misteriosa conspiración construida alrededor del mencionado combustible alternativo.

Tras cerrar la saga de los juguetes en 2010 con Toy Story 3, este año los estudios de animación Pixar apuestan por una nueva secuela, en esta ocasión la de las aventuras del coche de carreras Rayo McQueen y Mate, su amigo de gran corazón. A pesar de las críticas negativas que ha recibido, quedé más que sorprendido con Cars 2, película que se aleja de lo visto en su predecesora y nos plantea una trama de alto espionaje al más puro estilo de James Bond o Misión Imposible, filmes a los que homenajea. John Lasseter, uno de pioneros de Pixar, dirige junto a Brad Lewis una película repleta de espectaculares secuencias de acción, planificadas y filmadas con pulso de un modo brillante al que otros blockbusters no aspiran. A estos dos genios creativos les acompañan Ben Queen y Dan Fogelman escribiendo un guión que mezcla con ritmo escenas dedicadas al desarrollo de personajes con otras más explosivas (especialmente las centradas en el espía Finn McMissile) al mismo tiempo que encadena los distintos giros del argumento de una forma verdaderamente ingeniosa, involucrando a científicos alemanes, a la mafia italiana y a una conspiración por el control de las fuentes de energía en las aventuras de los protagonistas

Finn McMissile, al servicio de su Majestad

Ahora bien, comparada con las obras cumbre de los estudios de animación como Monstruos S.A., WALL·E o Up, hay que reconocer que en Cars 2 se echa en falta el "toque Pixar" que hace que distintos tipos de público puedan simpatizar fácilmente con los personajes. A esto contribuye que el protagonismo recaiga en la grúa Mate, de cuyas bromas fáciles y carácter bonachón se abusa en esta película hasta llegar a cansar a los espectadores en más de una ocasión. Posiblemente, por este motivo sea difícil que simpaticemos instantáneamente con el mensaje de la película acerca de la amistad y el respeto por uno mismo (similar al propuesto en Toy Story).

Eso sí, la animación digital alcanza nuevas cotas de excelencia en Cars 2. Basta con comprobar las mencionadas frenéticas secuencias de acción o de carreras, la iluminación y texturas tanto de los personajes como de los escenarios que visitan; y por supuesto el nivel de detalle de cada plano, en los que se esconden guiños al mundo de Pixar como prueban la aparición del restaurante de Ratatouille y de la marca de neumáticos Lassetyre. Entre las virtudes de la película hay que destacar la prodigiosa banda sonora del siempre genial Michael Giacchino, quien en esta ocasión adapta su estilo a la velocidad presente en pantalla con cierto toque de espías e Infiltrados. Además, en la versión original podremos disfrutar de las voces de los actores Owen Wilson, el gran Michael Caine, Emily Mortimer y John Turturro.

Es cierto que da la sensación de no estar a la altura de las grandes obras del estudio, pero aun así Cars 2 ofrece un planteamiento distinto del de su predecesora (mientras que las secuelas de Toy Story recurrían a un esquema argumental similar) y resulta una divertida y sobre todo muy elaborada película de animación. Hora de calentar motores y adentrarse en una enrevesada trama de espionaje.

*Como es habitual, antes de la película se proyecta un cortometraje realizado por los estudios Pixar. Sorprende que en esta ocasión no se trate de una ingeniosa propuesta original, como los anteriores Parcialmente nublado o Day & Night, sino que sea Vacaciones en Hawai, un pequeño sketch protagonizado por los protagonistas de Toy Story después de lo sucedido en la tercera entrega. Aunque divierte ver a Woody y Buzz de nuevo, se echa en falta el soplo de aire fresco que representaban cortos anteriores.

Boardwalk Empire: Empieza la Prohibición

2011-07-11T22:51:00.002+02:00

Año 1920. Nada en Atlantic City escapa la atenta mirada de Enoch "Nucky" Thompson, gángster, tesorero y dirigente en las sombras del patio de recreo de Norteamérica. Cuando el Acta de Volstead, conocida como Ley Seca, es aprobada, Nucky encuentra una nueva y rentable actividad con la que llenarse los bolsillos: el contrabando de bebidas alcohólicas desde Canadá. Como en todo negocio, Nucky encontrará duros e inesperados competidores interesados en obtener beneficios, por lo que deberá reforzar su autoridad y demonstar quién manda en su ciudad.

Estrenada a finales de 2010, Boardwalk Empire se convirtió, junto a The Walking Dead, en una de las series más aclamadas del año, asegurando una segunda temporada gracias a las inmejorables audiencias y críticas obtenidas, además de alzarse con múltiples galardones, entre ellos los Globos de Oro a Mejor Serie Dramática y Mejor Actor Protagonista de ficción televisiva. Producción de la prestigiosa cadena HBO, Boardwalk Empire surgió de la mente de Terence Winter, guionista de Los Soprano, tomando como punto de partida la novela homónima de Nelson Johnson. De inmediato, el canal de televisión apoyó el proyecto, invirtiendo millones de dólares en la recreación de los escenarios y el vestuario y contando con la ayuda como productores de Mark Wahlberg, Martin Scorsese (quien dirigió el episodio piloto) y Tim Van Patten, experto director televisivo.

Margaret & Nucky

Los doce episodios que componen la primera temporada nos presentan a los personajes, sus motivaciones y problemas; al mismo tiempo que desarrollan un conflicto principal que queda cerrado en el capitulo final junto a varias subtramas que continuarán en próximas entregas de la serie. De marcado carácter coral, Boardwalk Empire gira en torno a los negocios y dificultades personales de Nucky Thompson, a la vez que dedica metraje a aquellos que de una forma u otra están vinculados al tesorero de Atlantic City, aparte de que se presentan los orígenes de ciertos personajes que controlarán el crimen organizado en los años 30 y que tantas veces han sido retratados en el cine (Al Capone, "Lucky" Luciano, o Meyer Lansky), así como del futuro F.B.I.

Jimmy, Al Capone y Johnny Torrio en Chicago

Como producción de HBO, Boardwalk Empire presenta un desarrollo lento pero constante, con capítulos de ritmo pausado, escenas viscerales y una ambientación prodigiosa que nos sumerge de lleno en la Atlantic City de los años 20 (incluso la banda sonora está compuesta por canciones de la época). Además de los mencionados Scorsese y Van Patten, otros directores como Brad Anderson se han encargado de dar a la serie un toque cercano a las películas del mencionado director neoyorkino, incluyendo también influencias de títulos como Los Intocables de Eliot Ness o de El Padrino (especialmente en las escenas en que hay que "deshacerse" de alguien).

Los agentes federales se preparan para una redada

Dado su carácter coral, la serie cuenta con un reparto muy amplio, en el que destacan las interpretaciones de Michael Stuhlbarg (Arnold Rothstein), Vincent Piazza ("Lucky" Luciano), Shea Wingham (Eli Thompson, hermano del protagonista), y Michael Kenneth Williams ("Chalky" White), además de los brillantes Michael Shannon (Agente Federal Nelson Van Alden), Stephen Graham (genial Al Capone), Jack Huston (el inquietante Richard Harrow) y Kelly MacDonald como Margaret, personaje de doble filo. Tal vez los que menos convenzan sean Michael Pitt como Jimmy Darmody, personaje sin mucha fuerza que promete crecer en próximos capítulos, y Paz de la Huerta en un rol un tanto exagerado. Eso sí, quien hace la serie suya es el gran Steve Buscemi, que consigue un papel protagonista después de habernos acostumbrado a verle como secundario y que aquí está inmenso como Nucky Thompson, un personaje complejo y torturado, mitad gángster, mitad político, que no tolerará que nadie cuestione su autoridad.

Sinónimo de calidad en todos los aspectos, Boardwalk Empire nos sumerge de lleno en una década convulsa en la cual, como muestra su fantástica cabecera, se avecina una gran tormenta que pondrá a prueba a los personajes. Bienvenidos a la era de la Prohibición. Hagan sus apuestas en Atlantic City.

The Hangover Part II (Resacón 2)

2011-07-06T16:49:00.002+02:00

Dos años después de su aventura en Las Vegas, Alan, Phil, Doug y Stu se reúnen con motivo de la boda de este último, quien se casará en unos días en la exótica Tailandia. Lo que en un momento era un placentero viaje cambia de la noche a la mañana cuando "la manada" se despierta en un hotel de Bangkok sin recordar nada de lo sucedido en las últimas horas y descubre que Teddy, hermano de la prometida de Stu, ha desaparecido sin apenas dejar rastro. Con el tiempo en su contra, los "tres mejores amigos del mundo mundial" recorrerán las calles de la capital tailandesa, se encontrarán con viejos conocidos y tratarán de averiguar qué sucedió la noche anterior y dónde está Teddy para llegar a tiempo a la boda.

El mayor éxito del verano de 2009 fue para The Hangover, película que con un moderado presupuesto, actores semidesconocidos y un elaborado y alocado guión consiguió convertirse en la comedia más taquillera de todos los tiempos, gustando por igual a público y crítica (se alzó con el Globo de Oro a la mejor comedia). Gracias a su enorme repercusión, las puertas a nuevos proyectos se abrieron para sus protagonistas (Bradley Cooper y Zach Galifianakis son dos de los actores del momento, Ed Helms avanza como cómico y Ken Jeong hace de las suyas en la serie Community) mientras que su director, Todd Phillips, tenía ocasión de filmar otra comedia de estilo similar (Due Date) y de planear, junto a los guionistas Craig Mazin y Scott Armstrong, el regreso de Phil, Stu, y Alan en la secuela de The Hangover, que prometía mantener el nivel de su predecesora.

Así ha sido: The Hangover Part II (guiño a la segunda parte de El Padrino incluido en el título) ofrece a los espectadores aquello que hizo triunfar a la primera entrega hasta el punto de que sigue un esquema similar, prácticamente idéntico, por lo que tenemos a uno de los amigos a punto de casarse, una resaca descomunal tras la que no recuerdan nada de lo que pasó la noche anterior, la búsqueda de un miembro del grupo desaparecido siguiendo pistas que guían a otras pistas, la intervención del señor Chow y de cierto animal, la canción de Stu, un giro final que iluminará a los protagonistas cuando la desesperación los invada, y las reveladoras fotos en los créditos. Eso sí, con el lógico aumento de presupuesto respecto a la primera parte, la acción se desarrolla en Tailandia, con exóticos escenarios en los que se perderán los protagonistas y una variada banda sonora.

The Hangover Part II mantiene el humor corrosivo y desenfadado de su predecesora a la vez que ofrece gags más brutos si cabe con un ritmo trepidante, por lo que gustará tanto a los aficionados a la comedia como a los que quedaron encantados con su primera entrega (de hecho se incluyen numerosas referencias a lo que pasó hace dos años). El único inconveniente es que se pierde el factor sorpresa que hizo que The Hangover triunfara en 2009 y destacase frente a otras comedias mucho más simples y estúpidas; pero tampoco debemos extrañarnos, pues la fórmula funciona y la película divierte aunque no nos sorprenda tanto como la ya mítica noche que pasaron los protagonistas en la ciudad del pecado.

Hablando de los protagonistas, los tres están muy cómodos en unos papeles que han hecho suyos, tanto Bradley Cooper como Phil el guaperas, Ed Helms en la piel del desesperado Stu y sobre todo Zach Galifianakis interpretando al excéntrico y desternillante Alan, personaje que se explota bastante en esta película ya que fue el que más carcajadas desató en la primera entrega. Les acompañan, con los personajes a los que ya dieron vida en The Hangover, Ken Jeong, Justin Bartha, Jeffrey Tambor y Mike Tyson en una aparición estelar, a quienes se unen Jamie Chung (Sucker Punch) y Paul Giamatti (el inspector Uhl de El Ilusionista) con pequeñas intervenciones. Resulta chocante que desaparezca el personaje de Heather Graham de la primera parte y que no se incluyese en el montaje final el anunciado cameo de Liam Neeson.

¿Tracy? Soy Phil...

A pesar de no ser tan refrescante como su predecesora, The Hangover Part II entretiene durante todo su metraje y sigue el patrón marcado por la comedia estrella de 2009, por lo que animará los días de verano y hará las delicias de los seguidores de este peculiar grupo de amigos. Con el éxito que está cosechando, no es de extrañar que Todd Phillips y los productores ya se planteen una tercera entrega.

El Caso Pixar

2011-06-30T18:22:00.005+02:00

Desde el éxito de Toy Story, el primer largometraje de animación digital, los estudios Pixar han desarrollado su estilo propio con cada nuevo proyecto, cosechando numerosos premios, millonarias recaudaciones en taquilla y el afecto de legiones de espectadores en todo el mundo. Sus películas generan gran expectación cada año en cuanto a qué temas tratarán, quiénes serán los protagonistas o en qué aspectos habrán depurado las técnicas de animación esta vez, si bien los espectadores podíamos estar seguros de que nos encontraríamos ante un filme repleto de referencias y guiños a clásicos del cine, con personajes más humanos de lo que aparentan a simple vista envueltos en una aventura trepidante y emotiva al mismo tiempo.

Rayo McQueen corre hacia el éxito

Así ha sucedido desde la primera entrega de los conocidos juguetes, con películas tan peculiares y ricas en detalles como Monstruos S.A., Buscando a Nemo, Los Increíbles, WALL·E, o Up, que gustan por igual a niños y adultos. Tal vez la que más desentonó fue Cars en 2006, pues aunque se trataba de una película de animación sumamente entretenida, salía perdiendo en comparación con sus hermanas. Tres años más tarde, tras el estreno de Up, sorprendía el calendario de los estudios de animación, en el que las secuelas ocupaban el lugar de las propuestas originales.

En 2010 llegó a los cines Toy Story 3, que ponía punto y final a las aventuras de los juguetes de Andy 11 años después de la anterior entrega. El cariño del público a los personajes, un argumento que repetía el esquema de las anteriores incorporando nuevos temas, y técnicas de animación más arriesgadas garantizaron su éxito hasta el punto de convertirla en una de las películas más taquilleras de 2010, con dos Oscar incluidos. Eso sí, no puede decirse lo mismo de su sucesora este año, Cars 2, secuela de la película centrada en Rayo McQueen y sus amigos que no está agradando al público tanto como se esperaba. Como es costumbre, por aquí todavía no se ha estrenado (el concepto de "estreno simultáneo" es algo que las distribuidoras no se esfuerzan en asimilar), pero las primeras impresiones apuntan a que se trata de una película de animación entretenida con ganas de aprovechar al máximo los sustanciosos beneficios del merchandising.

Tras el duro revés que están suponiendo las reacciones ante Cars 2, en los últimos días se han disparado los rumores y noticias acerca de los estudios de animación vinculados a Disney. Para empezar, sorprende que Brad Lewis, co-director de la mencionada película de los coches junto a John Lasseter, ha abandonado la compañía para dedicarse a otros proyectos más personales. Parece algo habitual, pues otros directores de reputadas cintas de animación están dando el salto a la acción real, como es el caso de Brad Bird, responsable de Los Increíbles que ultima detalles en Mission Impossible: Ghost Protocol (con recién estrenado tráiler), y de Andrew Stanton, director de WALL·E que lleva más de dos años inmerso en el desarrollo de la adaptación de John Carter of Mars (personaje de las novelas de fantasía heroica de Edgar Rice Burroughs), película que promete un despliegue de imágenes generadas por ordenador innovador.

Al mismo tiempo, han salido a la luz nuevos detalles acerca de los futuros proyectos de los estudios Pixar. Dentro de un año estrenarán Brave, centrada en una joven princesa en la Escocia celta de la cual hemos podido ver diseños conceptuales, un póster y ahora el primer tráiler. Le seguirá Monsters University, precuela de las andanzas de Mike y Sully que nos narrará cómo se conocieron estos dos monstruos en la universidad. Llegados a este punto, entra en juego una de las noticias que más revuelo ha causado esta semana: en una entrevista para la BBC con motivo de su nueva película, Larry Crowne, el actor Tom Hanks dejó caer que los chicos de Pixar están trabajando en Toy Story 4. Ahora bien, dado el tono de la entrevista, podríamos pensar que Hanks tan sólo bromeaba con la actual fiebre por las secuelas al igual que hizo con buena parte de las preguntas del entrevistador; pero por otro lado tampoco sería extraño que no se planteasen una cuarta entrega, sobre todo dado el tremendo éxito de su predecesora.

Con o sin Toy Story 4, el futuro de Pixar está en el punto de mira de muchos, especialmente de aquellos seguidores que quedaron cautivados por la magia de sus películas.

Los Eternos, de Gaiman y Romita Jr.

2011-06-28T18:55:00.003+02:00

Antiguamente considerados dioses por los humanos, los Eternos viven ahora ocultos entre el bullicio de las ciudades sin recordar quiénes son, ni siquiera saben cuáles son sus dones o su misión como protectores de la Tierra. Sólo cuando uno de ellos les traicione y contribuya a despertar una amenaza ancestral, Ikaris y sus compañeros se reecontrarán y recuperarán sus identidades.

Gracias a Oneyros he podido acercarme a la miniserie de siete números centrada en este peculiar grupo de "superseres", que prometía mucho y al final ha resultado absurda a más no poder.

En la década de los 70, el mítico dibujante Jack Kirby creó dos series con ciertas similitudes para las dos grandes editoriales de cómic estadounidenses: El Cuarto Mundo para DC y Los Eternos para Marvel. Ambas bebían de las tendencias new age tan populares en la época, con lo cual era habitual encontrar entre sus páginas la premisa argumental de una raza alienígena que visitaba el planeta Tierra en sus orígenes y sus miembros eran considerados dioses por los primeros humanos. Esto mismo sucede con Los Eternos, serie que la Casa de las Ideas confió al famoso guionista Neil Gaiman y al dibujante John Romita Jr. para que la actualizasen e introdujeran en el Universo Marvel, con la guerra civil entre superhéroes como telón de fondo.

En la última década, Neil Gaiman se ha alejado bastante del cómic, medio en el que debutó, y se ha adentrado con éxito en los terrenos de la novela y del guión cinematográfico, aceptando encargos de Marvel o DC de manera espontánea. Esto se nota demasiado en Los Eternos, miniserie que arranca con una propuesta interesante en la que los protagonistas deben recuperar su identidad anterior, pero que a medida que avanza pierde totalmente el rumbo, culminando en un desenlace completamente bochornoso y confuso, que no cierra ninguna de las tramas (de hecho intenta servir de punto de partida a una serie regular y el séptimo número fue un añadido de última hora) y nos ofrece un retrato realmente pobre de los personajes, al mismo tiempo que juega vagamente con conceptos mitológicos para justificar el origen de los Eternos.

Por el contrario, en el apartado gráfico nos encontramos a John Romita Jr. en plena forma, exprimiendo su característico estilo (con notables influencias de su padre, de Frank Miller y hasta del propio Kirby) y recursos narrativos, ofreciendo páginas con todo lujo de detalles lejos del aspecto inacabado que imprime a sus trabajos actuales. Una pena que el pobre y farragoso guión no le acompañe, ya que las tintas de Danny Miki y Tom Palmer junto a los colores de Paul Mounts y Matt Hollingsworth embellecen sus lápices.

En definitiva, una pena de miniserie que podría haber ofrecido una historia rica y absorbente dado el toque de su guionista, pero que finalmente se queda en siete números para el lucimiento de la maestría de John Romita Jr.

Juego de Tronos: El Invierno de las series

2011-06-25T18:28:00.005+02:00

*Este post puede revelar detalles de la trama de Juego de Tronos.

La estabilidad de los Siete Reinos se desmorona como un castillo de naipes desde el momento en que el rey Robert Baratheon pide a su viejo amigo Eddard Stark, señor de Winterfell, que acuda a la capital para servirle de consejero y ocupe el puesto de Mano del Rey. Pero no sólo las conspiraciones de palacio suponen un riesgo para la corona, ya que las tensiones entre las casas de los Stark y los Lannister están destinadas a desembocar en una cruel guerra, mientras que en el continente al otro lado del mar y en las gélidas tierras al norte del Muro surgen amenazas que llevaban mucho tiempo esperando pacientemente el momento de atacar.

A mediados del pasado mes de abril se estrenó la esperada Juego de Tronos, adaptación del canal HBO de la primera novela de la saga de fantasía Canción de Hielo y Fuego, obra de George R. R. Martin que cuenta con numerosos seguidores. Nada más emitirse el piloto, la serie cosechó los más grandes elogios por parte de público y crítica, asegurando su regreso en próximas temporadas.

Jon Snow entrena para descubrir los secretos del otro lado del Muro

Como prácticamente cualquier ficción de la prestigiosa cadena HBO, Juego de Tronos presenta un elaborado (y muy caro) proceso de producción que se ha traducido en una cuidada ambientación y caracterización de los personajes que pueblan los diez episodios que componen esta primera temporada; además de un tratamiento de la acción pausado pero constante. Así, en los primeros capítulos se introducen los principales escenarios, los protagonistas, sus conflictos iniciales y algunas historias para rellenar el trasfondo épico-fantástico de la serie, dando paso a una sucesión de enredos, luchas por el poder y conspiraciones palaciegas propias de la serie Los Tudor en un contexto que recordará bastante a períodos de la historia medieval inglesa como la Anarquía o la Guerra de las Dos Rosas. Según se acerca el desenlace, la situación de los personajes se complica cada vez más y se dejan intuir qué líneas puede seguir la próxima temporada.

Una vez nos hemos sumergido en su complicado mundo de casas y disputas por el poder, Juego de Tronos atrapa a los espectadores capítulo a capítulo y no los deja escapar fácilmente. Sin duda estamos ante una producción de calidad, muy cuidada en diversos aspectos, aunque tampoco sea para ponerla en un pedestal frente a otras ficciones televisivas actuales. Buena parte de la culpa del éxito de la serie la tiene el trabajo de D.B. Weiss y David Benioff (guionista de la indispensable La última noche, con Edward Norton), quienes se han encargado de adaptar la obra de Martin (que se implicó activamente en el proyecto) y escriben buena parte de los guiones, los cuales sirvieron de base para la labor de conocidos directores televisivos como Tim Van Patten (The Pacific).

La interesante Daenerys Targaryen y el gran Ser Jorah

Para dar vida a los numerosos personajes envueltos en las enrevesadas tramas nos encontramos con un amplio reparto formado por los correctos Lena Headey (Las crónicas de Sarah Connor), Mark Addy (Destino de caballero) o Jason Momoa (próximo Conan que aquí ensaya su papel como el bárbaro Khal Drogo), prometedores actores noveles como Emilia Clarke, Kit Harington o Maisie Williams; y actores con una larga trayectoria a sus espaldas que sobresalen en sus respectivos roles, como es el caso de Peter Dinklage (Un funeral de muerte) interpretando a Tyrion Lannister y del siempre interesante Sean Bean (Boromir en El Señor de los Anillos) dando vida a Ned Stark, quien aquí ofrece toda una lección de interpretación por cómo modula la voz y gestos de su personaje y le da un acento propio del norte de Inglaterra, correspondiéndose así con la localización de Winterfell.

A pesar de sus virtudes, hay ciertos aspectos que no me terminaron de convencer de esta primera temporada. Para empezar (y al igual que sucede en la inconclusa saga de novelas), da la sensación de que las tramas se han liado demasiado y que difícilmente pueda resolverse algún cabo suelto en la próxima temporada, parece más probable que todo se complique todavía más. También choca bastante que introduzcan tantos personajes para luego deshacerse de unos cuantos fácilmente al final de la temporada, que todos los protagonistas pertenezcan a la nobleza, que para una gran batalla que hay en toda la temporada usen una elipsis narrativa para no mostrarla en pantalla (tanto presupuesto y luego recurren a estos trucos), que haya que esperar casi un año para la nueva temporada, o que no se aproveche la banda sonora de Ramin Djawadi (Prison Break) más que para la curiosa cabecera.

Con sus más y sus menos, en su primera temporada Juego de Tronos ha demostrado ser una serie capaz de atrapar al público y sumergirlo en un mundo de toques fantásticos donde el peligro acecha a la vuelta de cada esquina, lo que nos hará permanecer atentos al final de los episodios y esperar con ganas los siguientes.

Winter is coming...

Capitán América: Sin salida

2011-06-22T20:48:00.002+02:00

La Edad Heroica ha llegado, pero, además de pasar a formar parte de Los Vengadores de manera oficial, la situación del nuevo Capitán América no cambiará demasiado... hasta que Helmut Zemo se entere de que es Bucky quien blande el escudo, lo cual demuestra que las "hazañas" de su padre no fueron tales, por lo que se decidirá a complicarle la existencia al centinela de la libertad.

La Edad Heroica y el relanzamiento de los superhéroes de Marvel poco parecen haberle afectado al guionista Ed Brubaker, quien mantiene el ritmo seguido por la colección hasta ahora en el primer arco argumental enmarcado en la mencionada maniobra editorial. En Sin Salida, James "Bucky" Barnes continúa buscando su identidad como Capitán América al mismo tiempo que debe enfrentarse a una nueva y lógica amenaza que le hará cuestionarse su estatus: la del reformado barón Zemo, quien, como era de esperar, no se tomará nada bien que Bucky haya vuelto y se tomará muy en serio torturarle. Esta premisa permite a Brubaker continuar desarrollando al protagonista en la misma línea que en números anteriores, con numerosas dudas acerca de su identidad asaltándole; pero con un grupo de fieles amigos que justifican el carácter coral de la colección, como La Viuda Negra, El Halcón, Sharon Carter y el propio Steve Rogers, quienes le ayudarán todo lo que puedan e incluso más.

El apartado gráfico es lo más descompensado de este arco argumental. Tomando el relevo del genial Steve Epting nos encontramos a Butch Guice, quien ha demostrado estar a la altura con una narrativa sencilla y ágil a la vez. El problema viene con el baile de de entintadores que se encargan de sus lápices, encontrándonos en ocasiones con un acabado sucio; y otras veces, cuando entinta Rick Magyar, la acción fluye incluyendo homenajes al estilo del mítico Jack Kirby.

En general, Sin salida no aporta demasiado a la colección y mantiene el tono que Brubaker le ha dado al personaje desde que recogiera el testigo del Capitán original, aunque nos presenta una historia necesaria (Zemo debía reaccionar de alguna manera ante el regreso de Bucky) y abre la puerta al futuro juicio del personaje por los crímenes que cometió en el pasado como Soldado de Invierno, lo cual supondrá otra prueba más en la búsqueda del protagonista por su identidad.

El Plan B de Brad

2011-06-19T14:28:00.003+02:00

Dejando a un lado sus constantes apariciones en diversos medios por su matrimonio con Angelina Jolie, en los últimos años la carrera de Brad Pitt ha estado marcada por películas de calidad en las que el famoso actor ha elegido con sumo cuidado sus papeles, en los cuales ha demostrado su profesionalidad y buen hacer como intérprete: desde el frío bandido protagonista de la hipnotizante El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford al palurdo teniente Aldo Raine que pedía más tiempo en pantalla en Malditos bastardos, pasando por el desternillante monitor de Quemar después de leer, o el complejo Benjamin Button en el que supuso el reencuentro del actor con David Fincher.

Manteniendo esta línea, Pitt está a punto de volver a la cartelera con El árbol de la vida, la nueva (y seguramente atípica) película de Terrence Malick que se hizo con la Palma de Oro en la pasada edición del festival de Cannes. También en 2011 estrenará Moneyball, drama centrado en un equipo de baseball de baja categoría que cuenta con la participación de destacados nombres: escriben dos reputados guionistas como Steven Zaillian (American Gangster) y Aaron Sorkin (reciente ganador del Oscar por La red social), dirige Bennett Miller (responsable de Capote y el documental de culto The Cruise), y entre el reparto encontramos a Robin Wright, al siempre genial Philip Seymour Hoffman y a Jonah Hill, quien esperemos no desentone.

En cuanto a futuros proyectos, Brad Pitt se encuentra inmerso en el rodaje de Cogan's Trade, su segunda colaboración con Andrew Dominik después del filme de Jesse James. Su nuevo trabajo juntos se centraría en la investigación por parte de Jackie Cogan de una serie de robos perpetrados en casinos de Las Vegas regentados por la mafia, y un reparto para el que inicialmente sonaban los nombres de Casey Affleck y Javier Bardem al final estará formado por James Gandolfini, Richard Jenkins y Ray Liotta junto a Pitt. Además, recientemente Plan B, la productora del marido de Angelina, se hizo con los derechos de adaptación de Guerra Mundial Z, novela de Max Brooks que, junto al cómic Los Muertos Vivientes, ha devuelto a la vida el subgénero zombi en la actualidad. A punto de empezar a rodar, Marc Foster (Descubriendo Nunca Jamás) dirigirá basándose en el guión del siempre interesante JMS, mientras que para el reparto suenan los nombres de Ed Harris, Matthew Fox (Jack para los amigos) y, cómo no, Brad Pitt.

Castle: Tercera temporada

2011-06-15T22:34:00.004+02:00

Desde su éxito sorpresa en el verano de 2009, la serie centrada en un escritor de novela negra que colabora como asesor de la policía de Nueva York en los casos asignados a la inspectora Beckett no ha hecho más que crecer. Su recién finalizada tercera temporada retoma la fórmula consolidada en la segunda y continúa funcionando, presentando un caso nuevo en cada capítulo que los protagonistas resuelven gracias al humor e ingenio del inigualable Richard Castle.

Los responsables de esta producción de la cadena abc han continuado con la creciente tensión entre las personalidades opuestas de Castle y la inspectora Beckett (aunque el cambio estético de ella no convenza al pasar de ser una dura mujer policía formada a sí misma a casi una supermodelo). Además, en esta temporada hay lugar para el desarrollo de la subtrama relacionada con las motivaciones y origen de la mencionada inspectora, las cuales desembocarán en los sucesos del episodio final. También sorprende el espacio que se les ha dado a los secundarios, especialmente a los policías Ryan y Espósito, que consiguen robar unos cuantos momentos a pesar del carisma del personaje del gran Nathan Fillion.

Como en temporadas anteriores, cada capítulo es autoconclusivo (salvo una notable excepción), y a lo largo de los 23 que componen la temporada los personajes se sumergirán en mundos tan dispares como los relacionados con timadores, deportistas de élite, series de televisión, magos, o actores aspirantes; además de que se las verán con un club steampunk, un sicario al que perseguirán hasta Los Ángeles (interpretado por Dominic Purcell, alias Lincoln Burrows), y antiguas disputas entre pizzerías neoyorkinas. Destacan los cameos de escritores superventas como Michael Connelly, Stephen J. Cannell y Dennis Lehane jugando al póquer con el propio Castle, por no mencionar los episodios dedicados a la amenaza terrorista que pondrá en jaque a todos los personajes (con la aparición de Adrian Pasdar, de la cancelada Héroes), el homenaje a Encuentros en la tercera fase, y, por supuesto el tenso final, que abre nuevas líneas argumentales para la esperada cuarta temporada.

X-Men: First Class

2011-06-11T18:48:00.004+02:00

Cuando el mundo está al borde de la guerra, llega el momento de que los mutantes salgan a la luz y el Profesor Charles Xavier reúna un equipo de "jóvenes talentos" que proteja a la humanidad de amenazas como la que representan Sebastian Shaw y su Club Fuego Infernal. En semejante empresa, Xavier contará con la ayuda de un inestimable aliado: el poderoso Erik Lehnsherr, amo del magnetismo.

En el año 2000, la adaptación de X-Men dirigida por Bryan Singer dio el pistoletazo de salida al actual boom de películas basadas en cómics al cosechar excelentes resultados de taquilla y reflejar en la pantalla grande el rico universo de complicados personajes mutantes. Además, catapultó a la fama a actores como Hugh Jackman y Halle Berry. La fórmula volvió a funcionar en la estupenda X-Men 2, pero por desgracia la franquicia cambió de manos y la tercera entrega, dirigida por Brett Ratner, echó todo por la borda al incluir demasiados personajes y centrarse en la acción y los efectos especiales, dejando de lado la trama y el desarrollo de los mutantes. Se intentó dar un nuevo rumbo a la saga con el spin-off de Lobezno, película para lucimiento de Hugh Jackman que siguió más la línea de la tercera entrega que de las dos primeras. Ante esta situación, se apostó por la precuela X-Men: First Class, la cual abre un nuevo camino para la franquicia.

Ambientada a principios de la década de los 60 con la Guerra Fría como telón de fondo, First Class (traducida aquí como Primera Generación) narra los orígenes del grupo del idealista Charles Xavier, su relación con el gobierno de Estados Unidos y su amistad con el futuro Magneto. Rodada en apenas un año, la película está gozando de una notable aceptación y casi ha asegurado las próximas secuelas de la saga, aunque tiene sus puntos fuertes y otros que no terminan de encajar.

Como película, consigue entretener durante sus más de dos horas de duración y retoma el tono de las entregas de Bryan Singer (que aquí produce y firma el argumento), mezclando acción, aventuras y efectos especiales con la condición de proscritos e inadaptados de los personajes mutantes. Recién salido del rodaje de Kick-Ass, el británico Matthew Vaughn fue el encargado de dirigir esta precuela y escribir el guión junto a su habitual Jane Goldman y los escritores de Thor Ashley Miller y Zack Stenz. Posiblemente estemos ante el trabajo menos personal de Vaughn, quien deja de lado su sello propio y opta por un estilo más convencional (abusando un poco del travelling circular) que alterna correctas escenas de acción con otras propias de la saga Bond en cuanto a estética se refiere.

Respecto a los personajes, los que más resaltan son el Xavier de James McAvoy y el vengativo Magneto de Michael Fassbender (dos jóvenes actores en alza que aquí aportan matices interesantes a sus papeles) enfrentándose al villano de altura interpretado por un espléndido y políglota Kevin Bacon. También resultan llamativos la atormentada Mística de la nominada al Oscar Jennifer Lawrence y la gélida Emma Frost de la televisiva January Jones; pero al tratarse de una película con tantos personajes son muchos los que quedan desdibujados y apenas tienen ocasión de lucirse, como sucede con los roles de Rose Byrne y Oliver Platt o con Azazel y los jóvenes integrantes de la Patrulla X (Bestia, Kaos, Banshee...).

Como adaptación del cómic, X-Men: First Class presenta varios puntos conflictivos. Aunque difiere en varios puntos, encontramos guiños al material original como el diseño de los trajes, la ambientación en los 60 con el pánico atómico presente en las historias de Lee y Kirby, la presencia del Pájaro Negro y los cameos de dos personajes vistos en las primeras entregas. Ahora bien, aparte de la ausencia de Stan Lee en su habitual cameo, surgen errores de continuidad relacionados con las anteriores entregas, puesto que en Lobezno aparecía Xavier (interpretado por Patrick Stewart) andando y reclutaba a unos jóvenes Scott Summers y Emma Frost para su escuela, y luego en X-Men 3 unos rejuvenecidos Magneto y Profesor X (también caminando) visitaban juntos a la pequeña Jean Grey, lo cual no termina de encajar con lo mostrado en la precuela.

Eso y el rápido proceso de post-producción de la película, con una banda sonora simplemente correcta de Henry Jackman y efectos especiales poco pulidos (y eso que corren a cargo de Weta Workshop) hacen que X-Men: First Class no termine de convencer tanto como otras recientes y más equilibradas adaptaciones de Marvel (Thor). Aun así. se trata de una película más que entretenida, con un ritmo imparable que consigue devolver a los X-Men al lugar que se merecían, abriendo la puerta a posibles (y más que probables) secuelas.

¡Acertijo cinematográfico!

2011-06-02T23:55:00.004+02:00

Hoy traigo un pequeño y sencillo juego para el fin de semana: consiste en adivinar a qué película corresponde el siguiente acertijo, cuál es su solución, qué personaje lo propone y quién lo resuelve en la película en cuestión. Queda activada la moderación de comentarios hasta que se cierre el concurso. Si la sección tiene éxito, puede que siga adelante. Sin más preámbulos, he aquí el acertijo:

Cortesía de Edward Nigma

Estás en medio de una carretera desierta y un tornado se dirige hacia ti. A tu lado se encuentran tu mejor amigo, la chica de tus sueños y una ancianita que necesita atención médica con urgencia. Dispones de un coche con dos plazas para salir de allí. ¿Qué haces? ¿A quién eliges para escapar del tornado?

HIMYM: Sexta temporada

2011-05-31T23:17:00.001+02:00

Llegó la hora de las season finale y con ella la conclusión de la sexta temporada de la comedia de situación Cómo conocí a vuestra madre. En líneas generales, los espectadores hemos podido disfrutar de una temporada con unos cuantos cambios, algunos para bien y otros no tanto.

Desde el principio, se ha buscado cierta evolución de los personajes, quienes han tenido que enfrentarse a retos como no habían visto hasta ahora: el dilema que le plantea a Ted su nuevo trabajo como arquitecto, las decisiones de Lily y Marshall acerca de su futuro retoño, las revelaciones sobre el verdadero padre de Barney y el cambio en la carrera de Robin. Ahora bien, llegados a la mitad de la temporada los personajes sufren un duro golpe, luego, en el tramo final, el ritmo cambia bruscamente haciendo que la serie caiga en situaciones repetitivas que giran alrededor de Ted para terminar con un juego final en el que parece que conoceremos a la madre... ¡pero no!

Destacan capítulos especialmente divertidos como Subway Wars, Blitzgiving, o The Exploding Meatball en los que se retoman bromas recurrentes en la serie y somos testigos de las legendarias hazañas de Barney Stinson, personaje del cual no se abusa tanto como en temporadas anteriores, si bien se le intenta dar un giro nada convincente por todo lo que representa. Eso sí, el gran Neil Patrick Harris continúa haciendo de las suyas aunque ceda protagonismo al resto del reparto. También llaman la atención los numerosos cameos de la temporada, de modo que por el pub McLaren's desfilarán rostros tan conocidos como los de la cantante Katy Perry, la actriz Jennifer Morrison y los actores Jorge García, John Lithgow y Kyle MacLachlan.

En conjunto ha sido una temporada fiel al espíritu de la serie, puesto que por muchos cambios el humor ha mantenido su tono habitual. Respecto a la madre, truco narrativo en torno al cual gira la serie, están confirmadas otras dos temporadas más para conocerla.

Vengadores en la Edad Heroica

2011-05-26T22:03:00.001+02:00

Después de los sucesos de Asedio, en Marvel se propusieron relanzar las series protagonizadas por Los Vengadores dándoles un enfoque más superheroico que la condición de héroes marginados o villanos de oscuros propósitos que mostraron los distintos grupos bajo el mandato de Norman Osborn. Cuando comenzó este relanzamiento comenté mis primeras impresiones, así que ahora que las colecciones llevan unos cuantos números es el momento de observar qué rutas han seguido.

Vengadores secretos concluye su primer arco argumenta y deja bastante que desear. La serie arrancó con una premisa interesante mostrándonos a una rama de Los Vengadores dedicada a operaciones encubiertas, pero este prometedor comienzo dio paso a una misión en Marte que de encubierta tiene poco. Mike Deodato cumple con el dibujo y la composición a la que nos tiene acostumbrados, mientras que Ed Brubaker apenas presenta a los personajes liderados por Steve Rogers y abusa de una narración lenta (la técnica conocida como decompressive storytelling, que consiste en retrasar la acción con tal de dedicar varios números a un arco argumental sin necesidad).

Bendis también emplea esta técnica narrativa en Los Vengadores, complicando a cada número el interesante conflicto entre realidades futuras que deberá resolver el grupo de Tony Stark. En el apartado gráfico, John Romita Jr. no cumple con lo esperado y entrega unos acabados bastante descuidados y alejados de su calidad habitual, con viñetas que parecen meros bocetos a los que las tintas de Klaus Janson no ayudan demasiado. Puede que entre los números de esta serie, los de Kick-Ass y las portadas por encargo que realiza haya decidido apostar por este estilo menos detallista.

No contento con una, Bendis se encarga de otras dos colecciones vengadoras. La primera de ellas, Los Nuevos Vengadores, se centra en un grupo de personajes a los que el guionista adora, como Luke Cage o Jessica Jones, a quienes acompañan La Cosa o los también presentes en Los Vengadores Spider-man y Lobezno (sin contar con la participación de Ojo de Halcón hasta desaparecer misteriosamente a mitad del segundo número). Eso sí, lo más destacable es el trabajo de Stuart Immonen a los lápices, quien adapta su estilo al carácter heroico de la serie sin perder su fluida narrativa y expresivos personajes.

Para terminar, la miniserie Avengers Prime (conocida aquí como Los Vengadores: Las guerras asgardianas) da a Bendis la oportunidad de solucionar las tensiones entre los tres vengadores más icónicos (Iron Man, Thor y el Capitán América original) acumuladas desde los sucesos de Civil War al mismo tiempo que nos cuenta qué ha sido de los personajes de la mitología nórdica desde que el dios del trueno cambiara de domicilio en la etapa de JMS. De nuevo, el apartado gráfico es lo más llamativo de la serie, esta vez con los lápices de Alan Davis y las tintas de Mark Farmer.

Desafío de series

2011-05-18T17:44:00.002+02:00

Entramos la época de los finales de temporada, cuando las series estadounidenses concluyen sus tramas en episodios que deberán convencer tanto a los espectadores como a los directivos de las cadenas para asegurar su retorno.

En el terreno de la comedia, Chuck ha conseguido salvarse por los pelos una vez más, mientras que Cómo conocí a vuestra madre tiene aseguradas otras dos temporadas, con lo que probablemente se demorará bastante la aparición de la futura esposa de Ted Mosby (por mucho que hayan evolucionado los personajes esta temporada). Sorprende el caso de Dos hombres y medio, una de las comedias con mayor éxito de audiencia que cambia de actor principal tras el escándalo protagonizado por Charlie Sheen, quien será sustituido por Ashton Kutcher. De forma similar, también cuesta creer que funcione The Office tras la marcha del genial Steve Carell en la próxima temporada.

Ned Stark, alias Boromir

También hay lugar para los estrenos, como el de la esperada Juego de tronos, apuesta de la HBO por una cuidada adaptación de la serie de novelas Canción de hielo y fuego de George R. R. Martin que de momento está cosechando muy buenos resultados. La que también genera bastante expectación es Falling Skies, creación de Steven Spielberg que narra la resistencia de un grupo de humanos a una invasión alienígena y que verá la luz en junio.

Respecto a la próxima temporada, son varios los directores cinematográficos que dan el salto a la pequeña pantalla, siguiendo los ejemplos de Martin Scorsese con Boardwalk Empire y Frank Darabont con Los Muertos Vivientes, quienes seguirán al frente de sus respectivas segundas temporadas. Entre los que se unen a esta tendencia encontramos a David Fincher, que producirá y dirigirá a Kevin Spacey en el piloto de House of Cards, versión de la serie británica homónima acerca de la lucha por el poder del Primer Ministro con cierto toque de Ricardo III. Otra ficción de próximo estreno (para mí muy esperada) es Luck, creación de Michael Mann para HBO con Nick Nolte y el gran Dustin Hoffman al frente del reparto y que se centrará en las vidas de distintas personas ligadas a un hipódromo: un jockey, un entrenador, corredores de apuestas y hasta un mafioso.

Para terminar, el amigo Néstor nos ha hecho llegar el primer tráiler de Alcatraz, la nueva producción de J.J. Abrams tras el jarro de agua fría que supuso la cancelación de la horrenda Undercovers y que promete seguir el "patrón" marcado por Fringe con Sam Neil, Sarah Jones y el carismático Jorge García de protagonistas.

¿Cuál es la que más esperáis?

The Pacific

2011-05-13T20:03:00.002+02:00

Diez años después del éxito de Hermanos de sangre, Tom Hanks y Steven Spielberg trabajan de nuevo como productores ejecutivos de una miniserie de diez episodios para la prestigiosa cadena HBO: The Pacific, relato de las campañas militares estadounidenses contra el Imperio japonés en la Segunda Guerra Mundial.

Tras un duro proceso de investigación histórica, recogida de testimonios, recreación de escenarios y entrenamiento militar para los actores, la serie arranca en orden cronológico narrándonos las batallas del frente del Pacífico desde Guadalcanal hasta la entrada en los territorios japoneses de Iwo Jima y Okinawa. Como ya le sucediera a la mencionada Hermanos de sangre, The Pacific recoge el estilo visual de la película Salvar al soldado Ryan y nos ofrece un relato crudo, violento e hiperrealista del conflicto bélico, mostrando sin tapujos los horrores que presenciaron los combatientes, los inhóspitos terrenos que atravesaron y el desgaste psicológico derivado.

Cada capítulo viene acompañado por un breve documental de imágenes de archivo en el que el mismísimo Tom Hanks nos narra los detalles estratégicos de cada campaña para luego dar paso a los episodios en cuestión. Éstos giran en torno a tres personajes reales: el condecorado héroe de guerra John Basilone, el periodista Robert Leckie y el joven Eugene Sledge. Las tres historias están bien diferenciadas y resultan sumamente interesantes y complejas, aunque personalmente me pareció más emocionante la del último personaje mencionado, un joven idealista al que acompañaremos a lo largo de su dura transformación y a quien veremos evolucionar según las atrocidades en que se ve envuelto. Posiblemente, los capítulos que protagoniza (los cuales reflejan desde el desembarco en Peleliu a las cicatrices psicológicas que trae a casa) sean los más intensos y con total seguridad no dejarán indiferente a nadie.

The Pacific se basa en las memorias de los mencionados Leckie y Sledge, y para conseguir imprimir un realismo desgarrador a la serie nos encontramos a todo un equipo de profesionales trabajando en ella, entre los que figuran directores de múltiples títulos de HBO como Tin Van Patten o Tony To, asesores históricos y militares, Hans Zimmer colaborando en las épicas partituras y actores que dan la talla como Jon Seda, James Badge Dale y Joe Mazzello (el niño de Parque Jurásico visto recientemente en La red social); todo ello bajo el sello de Dreamworks.

Tal vez sea necesario complementar la serie con otra versión del conflicto como las ofrecidas en La delgada línea roja y especialmente en las imprescindibles películas de Clint Eastwood Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima. Sin duda alguna, The Pacific es una gran miniserie que tener en cuenta, pues no dejará indiferentes a los espectadores tanto por su temática como por la calidad con que está realizada. Por mi parte, ya figura en mi lista de series favoritas.

Thor: El nacimiento de un mito

2011-05-03T09:35:00.002+02:00

Preocupado por la seguridad de Asgard, el temerario Thor, dios del trueno, emprende un arriesgado viaje al mundo de Jotunheim para enfrentarse a los gigantes de hielo, poniendo en peligro las vidas de sus compañeros de armas y desobedeciendo las órdenes de Odín. Cuando el padre de los dioses se entera, decide despojar a Thor de sus poderes y desterrarle al mundo de Midgard, donde deberá aprender humildad de los humanos que lo habitan.

*Esta reseña puede desvelar detalles de la película.

Desde que comenzó el actual boom por las adaptaciones cinematográficas de cómics, uno de los superhéroes con cuya película se especulaba era Thor, la versión del dios nórdico del trueno de la editorial Marvel. Sin embargo, debido a la complejidad del mundo en el que se mueve el personaje, no fue hasta el rotundo éxito de Iron Man en 2008, la creación de Marvel Studios y el anuncio de la ambiciosa Iniciativa Vengador cuando se puso en marcha la versión cinematográfica de Thor según los patrones marcados por el Vengador dorado.

Serían los guionistas J. Michael Straczynski (responsable de una aclamada etapa en los cómics del personaje) y Mark Protosevich (Soy Leyenda) los encargados de sentar las bases argumentales sobre las que luego trabajarían el equipo formado por Ashely Miller, Zack Stenz y Don Payne, quienes han conseguido acercar el mundo de Asgard a los espectadores de forma amena en una película con mucho ritmo y respetuosa con el material original.

Muchos fueron los nombres barajados para dirigir semejante empresa, y al final sorprendió la elección del director y actor británico Kenneth Branagh. Famoso tanto por su talento interpretativo como por sus magníficas versiones cinematográficas de obras de William Shakespeare en la década de los 90, Branagh aceptó el encargo con una condición: él ayudaría al estudio con el desarrollo y conflicto de los personajes siempre que le echasen una mano a la hora de enfrentarse a una producción con un presupuesto y medios tan elevados, además de que le enseñasen cómo funcionaba el 3D. De esta forma, Branagh deja de lado los planos sostenidos de sus anteriores trabajos y apuesta por rápidas escenas de acción, barridos aéreos propios de la trilogía de El Señor de los Anillos y homenajes a Excalibur para recrear Asgard, al mismo tiempo que mantiene la influencia shakespeariana en el conflicto paternofilial presente en Thor, propio de Enrique V.

La película comienza con un prólogo brillante en el que se nos presenta el mundo mítico de Asgard haciendo un uso adecuado del 3D. Los guiños a los cómics son constantes (cameos de Stan Lee y el propio JMS incluidos), aunque falten personajes y se simplifique la situación de otros como Donald Blake y Jane Foster. Así, nos encontramos ante una primera hora que sigue el patrón marcado por Iron Man, con la presencia de SHIELD, el agente Coulson, la breve aparición de Ojo de Halcón (Jeremy Renner) y la escena tras los créditos para dar cohesión al Universo Marvel cinematográfico. Sin embargo, el tramo final de Thor se aproxima más al ritmo apresurado y frenético de la segunda parte de las aventuras de Tony Stark, con una acelerada transformación del protagonista. Eso sí, la épica y el entretenimiento no decaen en ningún momento del ajustado metraje, acompañados por la heroica banda sonora de Patrick Doyle, habitual de Branagh que nos trae una composición con tintes de Mucho ruido y pocas nueces.

El reparto fue otro de los aspectos de la película que más quebraderos de cabeza trajo a los estudios. Finalmente se optó por Chris Hemsworth, semidesconocido actor proveniente de la televisión australiana con un pequeño papel en la reciente Star Trek, para dar a Thor el carisma y la presencia necesarios, además de una imponente voz de dios nórdico. El resto del reparto está a la altura, de modo que nos encontramos con unos más que correctos Stellan Skarsgard, Natalie Portman, Clark Gregg y Kat Dennings (Nick & Nora's Infinite Playlist) acompañándole en Midgar y la presencia de Idris Elba (Ladrones) o el legendario Anthony Hopkins en Asgard. Especial mención merece la labor de Tom Hiddleston (amigo y compañero de Branagh en la serie Wallander) como Loki, interpretando al villano con sobriedad y sin caer en el histrionismo que podría propiciar el personaje.

Trasladar el universo de Thor al cine era una empresa sumamente complicada y arriesgada, pero afortunadamente Marvel Studios y el equipo bajo las órdenes de Kenneth Branagh han conseguido ofrecer una película de superhéroes con corazón más que entretenida, todo un espectáculo enmarcado dentro de la cohesionada Iniciativa Vengador.

(Deus) Ex Machina

2011-04-27T00:55:00.006+02:00

Después de los fatídicos sucesos de 2005, el ex-alcalde Mitchell Hundred se dispone a contarnos cómo fue su legislatura al frente de la ciudad de Nueva York, los conflictos a los que tuvo que plantar cara, el porqué de las decisiones más polémicas y los complicados entresijos de la red de poder que creó a su alrededor... además de la influencia que ejerció sobre él su anterior vida como el superhéroe La Gran Máquina, el celebrado campeón de la ciudad que nunca duerme capaz de comunicarse con los aparatos electrónicos.

Gracias a Yota he podido disfrutar del comienzo de este atrevido y absorbente cómic, mezcla ideal de las convenciones del género superheroico (accidente que otorga poderes al protagonista, las responsabilidades que esto conlleva y la aparición de archienemigos incluidos) con la negociación política propia de la serie El Ala Oeste de la Casa Blanca.

Su co-creador, Brian K. Vaughan (guionista del cómic Y, el último hombre y de algunos episodios de Perdidos) realizó una notable labor de investigación y documentación con tal de dotar a la serie de cierta verosimilitud, al mismo tiempo que desarrolla arcos argumentales encadenados con un ritmo trepidante, empleando la narración no lineal (toda la serie es un gran flashback) y los diálogos ágiles y naturales que marcan su estilo. Vaughan no se lo pondrá nada fácil al protagonista, quien tratará temas tan diversos como la lucha antiterrorista, el matrimonio gay o la guerra de Irak al mismo tiempo que debe hacer frente a las retorcidas sombras e incógnitas de su pasado como superhéroe.

El apartado gráfico corre a cargo del dibujante Tony Harris, quien despliega un estilo fotorrealista muy cuidado. Resulta curioso su proceso de trabajo, cómo reúne a un grupo de amigos a los que fotografía en las poses en que luego dibujará a los personajes con tal de aportar mayor realismo al acabado final. Lo único que tal vez se le pueda reprochar a este proceso es el poco dinamismo que aporta a las escenas de acción, con un aspecto un tanto estático.

Limitada a 50 números por cubrir el mandato del protagonista como alcalde, los secundarios carismáticos, las decisiones complicadas y las tramas enrevesadas ayudan a incrementar el interés de los lectores por este singular e indispensable cómic.

The Talking Horse and the Sad Girl and the Village Under the Sea

2011-04-25T14:36:00.001+02:00

Después del éxito cosechado con la novela El curioso incidente del perro a medianoche, el escritor británico Mark Haddon decidió recopilar una serie de poemas publicados anteriormente en diversas revistas en un breve volumen cuyo título es bastante revelador respecto a su contenido.

Los distintos poemas de Haddon se sustentan en imágenes surrealistas y un lenguaje sencillo con tal de huir de cualquier convención formal o temática, rozando lo absurdo tanto en composiciones propias como en versiones de las Odas de Horacio o de una novela de John Buchan que dejan bastante que desear. Incluso la falta de musicalidad en el verso libre de Haddon ha sido duramente criticada por lo vacía que puede parecer en ciertas ocasiones.

Aun así, el volumen puede resultar entretenido en general por su brevedad, y aunque no sea brillante ofrece pasajes curiosos, como la calificación por edades propuesta para la poesía en This Poem is Certificate 18.